Django. Sin Cadenas

Título original: DJANGO. UNCHAINED
Director: Quentin Tarantino
Productor: ReginaldHudlin, Stacy Sher y Pilar Savone
Guión: Quentin Tarantino
Reparto: Jamie Foxx [twitter], Christopher Waltz, Leonardo Dicaprio [twitter], Samuel L. Jackson [twitter], Kerry Washintong [twitter].
Género: Western / Drama
Banda Sonora: Elayna Boynton
Fotografía: Robert Richarson
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés / Alemán
Duración: 165 min.
Clasificación: R + 17
Estreno: 25 de Diciembre de 2012
Presupuesto: $100.000.000
Distribución: The Weistein Company (USA) y Columbia Pictures (Internacional)

Un gran film con el estilo inconfundible de Tarantino. Sangre, sangriento y sanguinario. La mejor manera de definir el gore de Tarantino. Peleas y balaceras de 100 contra 1, tripas y sangre en cada muerte divertidamente estilizada,  peleas de mandingos (negros) y un excepcional humor negro. Esto es Django sin cadenas. Un esclavo en busca de su amor, venganza y libertad.

Es 1858 un poco antes de que inicie la guerra civil Norteamericana en cualquier lugar de Texas. Es aquí donde un grupo de esclavos es transportado por los hermanos Speack, y sin saberlo se encuentran con un irreverente dentista y caza recompensas alemán: El Dr. Schultz. Éste libera a Django y lo hace socio de su oportunista negocio de caza recompensas, ya que Django conoce a tres bandidos que el Dr. Schultz esta buscando. Después de la curiosa sociedad que el Dr. Schultz y Django forman, se encaminan en la difícil tarea de encontrar al amor y esposa de Django: la escalva Broomhilda.

Al igual que LINCOLN. Django es un western que aborda varios temas del oscuro pasado Norteamericano como lo es la esclavitud. El mismo título de la película: "Django. Sin Cadenas" evoca un fuerte sentimiento de liberación, venganza y odio; ya que Django es como una fiera salvaje que una vez liberada esta dispuesta a acabar con todo lo que se encuentre a su paso, y como el mismo Django lo expresa: "¿ganar dinero por matar blancos? no hay mejor sueño para un negro"

Este film muestra parte de la cruda y visceral realidad a la que fueron sometidos los esclavos negros en Norteamérica, ademas de los tratos inhumanos y las crueles torturas a los cuales eran sometidos. El mismo Tarantino afirma que su intención era hacer un film que toque el oscuro pasado esclavista del cual Norteamérica se avergüenza y poco le gusta hablar [1]. Aunque la película hace énfasis al maltrato del esclavo, también hace una fuerte burla al hombre blanco; que se ve cuando aparece el Ku Kux Klan en liderazgo de Jonah Hill (¡Qué escena más graciosa!)

El ir a ver Django a las salas de cine es una buena experiencia, pues la respuesta, los gestos, las carcajadas, el morbo, el asombro y admiración por parte de los asistentes es muy buena. Las 2 horas y 45 minutos realmente valen la pena, Tarantino sabe entretener y captar de una manera inusual toda la atención del público. El film aunque ha sido bien aceptado por la critica especializada, ha generado una fuerte controversia (no se puede tener contento a todo el mundo). Para muchos el film es demasiado violento, exagerado, el uso del lenguaje contractual y peyorativo hacia los negros ("nigger"; "negro") no hace más que generar más racismo del que hay, para otros el film incentiva a una lucha de razas; pues lo que enseña es: el hombre blanco es malo y hay que aniquilarlo. El cineasta Spike Lee afirmó en una entrevista para la revista Vibe: "Lo único que voy a decir es que es una falta de respeto a mis antepasados."[2] Aparte de la controversia que la película ha generado, puedo decir en opinión personal que el film exagera y hay momentos en los cuales se cae, es decir, hay un punto en el cual debe finalizar; pues después de ahí la película se hace retorica, simbolista y grandilocuente.

Cosas que se deben elogiar de Django, aparte de la dirección y las actuaciones graciosas e impecables de Christopher Waltz (Dr. Schultz) y Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), es su genial banda sonora y edición de sonido que te transporta al salvaje oeste, su divertidísimo guión que no te hace parar de reír y su especial fotografía que generan ciertas sensaciones en el espectador (nomiadas a los Premios de la Academia en cada una de las anteriores categorías).

Calificación: (4.2/5)

DATOS CURIOSOS

• Para el papel de Django se pensó en Will Smith y Michael K. Williams, pero Jamie Foxx fue quien se quedo finalmente con el papel.
• Django es basado en el spaghetti wester de Sergio Corbucci de 1966 con el mismo nombre. Pero el wetern de Tarantino no es un remake de Corbucci.
• Sin Cadenas es por el film de 1959: Hercules Sin Cadenas.
• Django tiene 5 nominaciones al Oscar, Globo de Oro y BAFTA.  De los cuales ganó 2 Globos de Oro, 2 BAFTA y 2 Oscar en las mismas categorias: Mejor guión para Tarantino y Mejor actor de reparto para Waltz.

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La Sonrisa de la Gioconda

Título original: The Giocconda Smile
Traducción: María Luisa Buen Día
Autor: Aldous Huxley
Género: Teatro Policiaco
Año: 1938
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Páginas: 185
Luis de Caralt Editor S.A. - ESA
ISBN: 84-217-4196-9

HUTTON: ¿De qué vale querer? Has nacido. Y si se viene el mundo el mundo encima hay que estar preparado para irse otra vez. Acto 3. Escena 4. Página 179

"La sonrisa de la Giocconda" es una obra de teatro policíaco. Simple de leer, interesante en diálogos para analizar, un poco obvia en cuanto a trama y con algunos personajes bastante pretenciosos y muy intelectuales al estilo de Huxley.
La obra comienza con claras descripciones del espacio en el que se desarrolla la obra. Una sala inglesa de una familia muy prestante, con obras de pintores franceses como Matisse, Bracque, Léger, Modigliani (¡Qué gente tan fifi, encopetada y hasta más!). De antemano, es visible que la obra toma una atmósfera suntuosa y de personajes muy acaudalados.
Un intelectual llamado Hutton; su enferma esposa Emilia. Juanita Spence, pretenciosa amiga de la familia; su pasivo y minusválido padre. Una enfermera que sabe más de lo que aparenta. Un médico razonable, justo y sensato. Y Doris, una joven mujer amante de Hutton. Una equilibrada mezcla de personajes entrelazados entre sí que desde que inicia la obra cuentan una gran historia pasada de por medio.
El conflicto de la obra surge con la "natural muerte" de la esposa de Hutton, en una noche común y corriente, donde nada extraordinario ocurre, por lo cual, TODO EL MUNDO TIENE UNA CUARTADA. Desde el inicio de la obra el lector tiene una leve sospecha de algunos personajes. A medida que la obra avanza el lector puede sospechar de cualquiera, pero a mitad del libro es claro quien es el culpable. Huxley pone en un interesante juego a sus personajes para resolver el crimen y descubrir quién es el asesino, cómo lo hizo, cuándo, y los más importante: ¿POR QUÉ?. ¿Intereses de por medio? ¿triangulo amoroso? ¿suicidio premeditado?
Las expectativas de la obra son altas en un principio, pues en un inicio es como sí Huxley deseara que el lector juegue un poco de "Clue" mental para descubrir quien es el culpable, pero estas expectativas  caen fácilmente a mitad de la obra cuando el lector descubre quien y cómo se cometió el crimen. lo interesante es descubrir el por qué.
Lo verdaderamente delicioso en la obra son las claras directrices del autor sobre la puesta en escena.  Son los diálogos de los personajes y algunas frases filosóficamente profundas las que hacen que esta lectura sea interesante y verosímil, que atrapan al lector a medida que la obra avanza, al igual que los intereses superpuestos y las necesidades de cada personaje. Frases como:

HUTTON: El cinismo no es más que una sencilla confesión sin arrepentimiento. Se reconocen los propios pecados y así se libra uno de la desagradable necesidad de la ocultación y su hipocresía. Acto 1. Escena 1. Página 12

LIBARD: EL rico se puede permitir vivir sin continuidad, quiero decir, con intermitencias. Y, analizándolo bien, es lo mismo que no ser de todo humano. Acto 1. Escena 2. Página 50. 

HUTTON: los grandes hombres son aclamados, odiados luego; los imperios se alzan y caen; las artes florecen y mueren; las ideologías se ponen de moda y dejan de estarlo. Pero el comer y el beber, hablar y amar, son las únicas cosas que verdaderamente importan. Acto 2. Escena 2. Página 118.

 ¿Por qué el titulo de: "La sonrisa de la Giocconda"? Si bien la pintura de Leonardo Davincci con el mismo nombre es controversial; el libro me enseña que: Quien ríe de último ríe mejor.
Aquí los delito con un poco de las pinturas a las cuales Huxley se refiere al rededor de la obra:

Bitácora Almendrón de Léger

1949

Young Woman of Montmartre de Modigliani

1919

Hombre con Guitarra de Bracque

1911

Le Bonheur de Vivre de Matisse 

1905

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La Hojarasca

Autor: Gabriel García Márquez

Género: Novela corta
Año: 1955
País: Colombia
Idioma: Español
Editorial: Grupo Editorial Norma
Páginas: 118

ISBN: 978-958-57103-9-9

Una novela llena de imágenes y coloridos fundidos en un realismo mágico que evocan un profundo sentimiento de antaño para los que alguna vez estuvimos en un pueblo Colombiano. Nacimos y arraigamos en una tierra que en  ocasiones parece que estuviéramos destinados a quedarnos en ella… Es inevitable escapar del destino.

Tres generaciones en un pueblo surgente de la costa Caribe Colombiana llamado Macondo. El abuelo (el coronel), su hija (Isabel) y su hijo. Nos muestran el paso de la hojarasca alborotada, revuelta y flotante que se forma por los desechos o lo que sobra de los desperdicios humanos; rastrojos de una guerra civil. La historia es contada desde las tres perspectivas de esta familia; empezando por el niño quien se ve inquieto, curioso e inocente por el suceso de la muerte; su madre quien muestra la soledad en perspectiva de su propia vida; y el coronel que toca el tema de la guerra y el cumplimiento de la palabra. El meollo de la obra surge por el suicidio de un doctor que vino de lejos con una carta de recomendación, pero que nadie conocía. Un doctor a quien todo Macondo odiaba por su indolencia frente a unos soldados que dejó morir tras una guerra civil. Debido a esto el pueblo se opone a darle un entierro decente al doctor y expresan que debería pudrirse en su casa tal como lo venía haciendo durante los últimos 10 años; pero en vida el coronel dio su palabra de darle cristiana sepultura.

La Hojarasca es un libro mágico, capaz de transportar al lector al pequeño y escondido Macondo, un pueblo ficticio creado por el autor donde se desarrollaran parte de sus futuras obras. La obra está cargada de imágenes trágicas de un pueblo que se ha quedado en el olvido y los efectos que ha producido la llegada de una compañía bananera, además del paso de una guerra civil.  De esta manera, el autor trata de llevarnos a un pueblo que vive una cruda realidad. Una realidad que representa a Colombia, y porque no decirlo a Hispanoamérica. Macondo y su hojarasca puede ser tanto de aquí como de allá. De igual manera la inter textualidad de la obra es algo que hay que resaltar con el preludio que hace el autor de la obra Antigona; ella al enfrentarse a la encrucijada si entierra o no a su hermano y Macondo si entierra al doctor o no. 

El propósito de la obra es mostrar el advenimiento y la evolución de la modernidad colombiana. Toca temas profundos como lo son la muerte, la soledad, el aislamiento y la guerra; a través de personajes vivos y llenos de un trasfondo que desencadena en algo tan sencillo como: “… de todos modos lo que suceda tenía que suceder. Es como si lo hubiese anunciado el almanaque…” [El coronel. Cap. 11 Pág. 69]

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Esta es una de mis lecturas universitarias. Nos lo pusieron a leer en la clase de fundamentos de la No Actuación y nos pusieron a hacer una acción física de lo que nos evocara el libro a partir de una imagen. La imagen que yo escogí fue cuando el niño mese sus piernas en la silla de manera inocente e incauta y eso me evoca a mi mi infancia  La clase estuvo sensacional pero a mi profesor no le gustó mi acción física :(. Próximamente 100 años de soledad :)

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Hansel y Gretel Cazadores de Brujas

HANSEL Y GRETEL: WITCH HUNTERS
Director: Tommy Wirkola
Productor: Will Ferrell, Chris Henchy, Beau Flynn
Guión: Dante Harper, Tommy Wirkola
Reparto: Gemma Arterton, Jeremy Renner [twitter],Famke Janssen, Ingrid Bolso Bernal, Peter Stormare,
Género: Fantasia / Aventura
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Clasificación: R + 14
Duración: 88 min.
Estreno: 11 de Enero de 2013
Productora: Paramount Pictures

Interesante en algunos aspectos, exagerada en otros. Una mezcla de fantasía oscura y humor negro. Muy a lo MTV Films: violencia, acción, sangre, irrealidad y una chica desnuda. Típico film "Teen gore"

Wirkola quería realizar una película basada en el típico cuento de los hermanos Grimm: "Hansel y Gretel". Se enfoca en la vida adulta de Hansel y Gretel 15 años después de lo que sucedió en la casa de dulce de la bruja que los quería comer. El film enfoca a un típico pueblo alemán de la época mezclado con elementos ,muy modernos. Al igual que la locación la historia tiene algunas variaciones, mezcla a un Hansel diabético por el dulce que la bruja le obligó a comer cuando era niño, como a un Gretel con un oscuro secreto.

15 años después de matar a una bruja Hansel y Gretel se convierten en cazadores de brujas. En el pueblo de Ausburgo han ocurrido una serie de desapariciones de niños en los últimos meses, y por detener el rapto de niños el sherrif del pueblo decide iniciar una cazería de brujas. Es aquí donde el alcalde contrata los servicios de nuestros protagonistas y se embarcan en una interesante historia en donde aparte de dar bala y cuchillo a las brujas descubren cosas oscuras de su pasado.

La película es muy obvia en algunos aspectos; como en la presentación de las brujas y el conflicto que ellas representan; ni que hablar de las sofisticadas armas que tienen los protagonistas y lo diestros que son en el combate sin armas (mucha sangre donde no debería haber... muy gore al mejor estilo de  MTV).En algunos momentos la película puede ser comparada con la película: "Los Caza Fantasmas"

Lo realmente interesante del film son los nuevos elementos puestos en la historia como la manera en que exponen el propósito de Hansel y Gretel. El espectador puede quedar satisfecho por las variaciones que se hacen la historia; como la aparición de brujas blancas y el por qué los padres de Hansel y Gretel decide abandonarlos en el bosque.

La presentación de efectos especiales en 3-D es normal, nada del otro mundo; y se pueden apreciar en todo su esplendor en los excesivos derramamientos de sangre que se aprecian en el transcurso de la película, ademas de las sofisticadas armas de los protagonistas.

Conclusión: Si metes en una licuadora a las productoras: Paramount Pictures, MTV films y Gary Sanchez Produccions obtienes... un film Teen gore

Calificación: 2.5/5

Datos Curiosos:

• La idea de Wirkola por realizar esta película ocurrió en el 2007 en Australia.
• El estreno original de la película estaba prevista para el 12 de marzo de 2012, pero tras problemas en la productora disidieron posponer la para el 11 de enero de 2013 (casi un año después)
• El papel de Gretel lo iba a realizar la noruega Ingrid Bolso Bernal (quien realiza el papel de la bruja blanca)
• Paramaount Pictures y MGM han afirmado que habrá secuela de Hansel y Gretel tras el exito que tubo en taquilla con más de US$200 millones a nivel mundial, pero no se asegura la participación de Gemma Arterton y Jeremy Renner en los papeles protagónicos; los que sí vuelven son los productores Will Farrell y Adam Mckay.

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LINCOLN

LINCOLN
Director: Steven Spielberg
Productor: Steven Spielberg y Kathleen Kennedy
Guión: Tony Kushner
Reparto: Daniel Day-Lewis; Sally Field; Joseph Gordon-Levitt; David Strathairn; Tommy Lee Jones
Género: Drama Histórico
País: Estados Unidos
Idioma. Inglés
Clasificación: PG
Estreno: 16 de Noviembre de 2012
Duración: 150 min.
Basado en: Team of rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln de Doris Kearns Goodwin
Distribuida: Touchstone Pictures, 20th Century FOX

Un gran drama histórico. Más que una thriller político; una gran lección sobre civismo y moral.

Época: Enero de 1865. Lugar: Estados Unidos de América. Situación Política: Guerra Civil. Problema: División de estados. Solución: Un hombre. Abraham Lincoln.

En el cuarto año de una guerra civil; Estados Unidos entra en uno de sus periodos históricos más importantes por tratar de abolir la expansión de esclavitud y unificar a un país dividido entre norte y sur. Abraham Lincoln, el décimo sexto presidente intenta abolir la esclavitud a través de la aprobación de la décimo tercera enmienda que prohíbe la servidumbre involuntaria o la esclavitud. El reto de Lincoln es lograr la paz, el término de la guerra de secesión, la unificación de los estados y la aprobación de la décimo tercera enmienda. Gran reto para un solo hombre.

En el film de Spielberg podemos apreciar a un Lincoln humano, real, vivo. Spielberg acierta al no hacer del film un especie de documental o una biografía, sino que se enfoca en un drama americano por la libertad, la igualdad y la paz. Lincoln se encuentra en un país beligerante y una cámara de representantes que en su mayoria no comparten su visión. El reto de Lincoln será unificar a un pueblo.
De igual manera Spielgber muestra a un Lincoln familiar, sabio, maduro, un Lincoln que convence, un hombre que ama a su país y defiende sus ideales.
Aunque la película es considerada como la una de las mejores del ultimo trimestre del 2012; la respuesta de los historiadores es negativa; según un articulo un articulo publicado por el NY Times el film: "es una oportunidad desperdiciada"[1] pues dice que la película exagera en algunos aspectos históricos. Es probable que esto se deba a que la película pierde verosimilitud en algunos aspectos claves como lo es la participación de la población negra, por remarcar la importancia de lo todo lo que Lincoln pone en juego.
La actuación de Day-Lewis es impecable, se mete en el personaje y se pierde en él; cuando el aparece uno se olvida que esta viendo una película y los escalofríos surgen, pues uno cree que esta viendo al mismo Lincoln. Ademas Day-Lewis se ganó todos los elogios y admiraciones de la crítica especializada. De igual manera aunque Tommy Lee Jones no interviene en gran parte de la película  protagoniza cada una de las escenas que realiza.
Claro está que a simple vista; si no conoces un poco de historia norte americana vas a perderte un poco o tendrás que verla dos veces para entender mejor el film. Lo positivo es que después de ver la película el espectador sale con ganas de informarse más acerca de la historia y de lo que ocurrió en aquella época.

Calificación: 4.3/5

Datos Curiosos

• El papel de Lincoln lo iba a encarnar el actor Liam Neeson, pero desistió del proyecto en julio de 2010 por demoras en la producción.
• La idea de Spielberg por realizar este film surge en 1999.
• Lincoln tuvo 7 nominaciones a los Globos de Oro y a 12 Premios de la Academia; incluyendo mejor director, mejor actor y mejor película.
• Daniel Day-Lewis ganó su tercer Oscar como mejor actor protagónico.

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Tiempos Modernos

MODERN TIMES                                                                                                  Director: Charles Chaplin
Productor: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin

Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman
Música: Charles Chaplin

Género: Comedia / Crítica social
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Clasificación: G - ATP

Estreno: 25 de Febrero de 1936
Duración: 87 min.
Presupuesto: $1,5 millones de dólares
Distribución: United Artist

Simplemente perfecta. Delicadamente bien elaborada. Un clásico del cine. Definitivamente no hay mejor manera de hacer una crítica que no sea mediante el humor.

Protagonizada por el genio de la actuación y el cine: Charles Chaplin, interpretando el papel que lo hizo inmortal: Charlot. En este film lo podemos ver de maneras cómicas, ridículas, inocentes e irreverentes (muy a lo Chaplin). Además podemos apreciar una interpretación excepcional, exquisita y muy limpia en movimientos y acciones físicas.

Esta película nos cuenta la historia de un personaje (Charlot) que, cansado de apretar tuercas en una fábrica, cae en un estado de locura y es llevado al hospital. Después de su recuperación sale a la calle y es apresado por ser el aparente líder de una manifestación a la que se unió por casualidad. Una vez libre continua con su búsqueda por encajar en el nuevo mundo moderno del siglo XX; es ahí cuando conoce a una joven huérfana, con la cual Charlot le da la espalda al mundo y emprende un nuevo horizonte.

Para que el espectador analice un poco mejor el film es necesario ubicarlo en el contexto social en el cual fue desarrollada la película: Después de la depresión económica de 1929 en Estados Unidos causada por la caída en la bolsa de valores de Nueva York y el apogeo de  la industrialización y la especialización del trabajo en masa, Chaplin hace una fuerte crítica, por un lado, al Taylorismo, el cual pretende la eliminación total de movimientos innecesarios y algunos necesarios, como el comer o el descansar; y por el otro, al Fordismo que aboga por la incesante y absorbente producción en cadena, en la cual el hombre pierde parte de su conciencia y hace mecánico y autónomo cada uno de sus movimientos (dejando de ser humano y pasando a ser máquina). Así mismo critica la sociedad capitalista, en la cual la "libertad económica" está sobre el capital humano como herramienta de producción y en donde todo es consumo; de igual manera, a los altos mandos gerenciales y autoridades públicas, por la opresión a los trabajadores y el abuso de poder con los ciudadanos y, por último, la deshumanización del hombre y del trabajador, en la cual el hombre pensante deja de ser hombre pensante a causa de la explotación laboral. 

Chaplin compara la vida cotidiana como un rebaño de ovejas o un hato de cerdos. La sociedad moderna es el nuevo rebaño, y como en todo rebaño siempre hay una oveja negra. Esta oveja negra no puede ser nada más ni nada menos que un artista, un hombre que se haya decidido a ir en contra de lo establecido, un hombre que haya decido tomar el futuro en sus manos.

Otro tópico importante que muestra Chaplin es la búsqueda de una estabilidad (sentimental y económica) y la promesa de una vida feliz a través de la constitución de una familia promedio. 

Algo importante que se debe resaltar: “es el volver a la cárcel  por parte de Charlot"; probablemente de esta manera el protagonista pretende desafiar al sistema al no encontrar su lugar en el mundo. Pero no todo es tristeza para nuestro querido amigo Charlot, pues se halla así mismo en el arte. Chaplin plantea que el arte salva a los individuos, los libera y los deja ser ellos.

De igual manera, "Tiempos Modernos" es un película que nos muestra al hombre en busca de la felicidad; al hombre que en ocasiones no pertenece al mundo moderno y busca su lugar; al hombre cortés que aun no siendo aceptado le da una gran sonrisa y muestra de cortesía a ese mundo hostil que pareciera no quererlo. 

"Tiempos Modernos" es un film para todos aquellos que están buscando donde pertenecen en este nuevo y cambiante mundo moderno.

Calificación: 5/5

DATOS CURIOSOS

• "Tiempos Modernos" fue el último film de cine mudo.
• Aunque para la época ya existía el cine sonoro, Chaplin decidió hacer el film mudo como protesta, pues pensaba que el sonido podía vanalizar el cine y disminuir el trabajo del actor con respecto al lenguaje físico.

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