LITERATURA

Siempre imaginé que el paraíso sería algún tipo de biblioteca. Jorge Luis Borges. Click aquí

CINE

Todo es posible a condición de ser lo suficientemente insensato. Orson Welles. Click aquí

ARTE CALLEJERO

Expresa tu mundo en las calles. Click aquí.

MUSICA

Sin música la vida sería un error. Federico Nietzsche

Diario de un viajero

Llevando un mensaje por el mundo. Click aquí

Entrada destacada

VOLVIENDO A LOS ORÍGENES DE LA LENGUA

Con FIESTA DE BRIBONES al son de guitarras, voces y pandereta; la compañía bogotana Escena Independiente Teatro busca recuperar los orígene...

Páginas

jueves, 22 de junio de 2017

Sobre Tennesse Williams

CONVERSATORIO DE TENNESSE WILLIAMS

Las obras de T.W. muestran a unos personajes "estáticos" que viven en un profundo pasado, del cual desean liberarse, pero que de alguna manera no pueden y no quieren, y si lo llegan a lograr caen en desgracia. Para nuestro caso en particular, "De repente, el último verano" obra autobiográfica en la cual el personaje de Sebastián es el mismo Tennesse, y Catalina Holly, es su hermana Rose, a quien sí se le practicó una lobotomía en 1948, dejándola incapacitada para el resto de su vida, algo que T.W. nunca le perdonaría a su madre. En fin, el conflicto de los personajes es que viven y giran en torno a un pasado, la muerte de Sebastián, un personaje que no está representado materialmente, pero que sin duda es el protagonista de la obra. Lo interesante y particular en esta obra, es que los personajes tienen puntos de quiebre muy puntuales, que le dan un arco dramático esencial en el transcurso de la obra. Por ejemplo, el arco dramático de Violeta Vender, es el juicio de valor que cae sobre ella por las acciones de su hijo y las de su prima. Es decir, para Joe Murphy, el conflicto de Violeta va mucho más allá del amor que siente por su hijo, va hacia el escándalo que la muerte del "Dandy americano" representa para la familia. Pues el verdadero interés de la madre, es limpiar el buen nombre de su hijo y de la familia, esta exposición se deja en claro a mediados de la primera escena en la discusión que tiene con el doctor, y a inicios de la cuarta, cuando no puede creer lo que está escuchando. Otro ejemplo claro, es el de Catalina, su desesperación y su aparente locura no es por el "amor" que dice sentir por Sebastián, pues ella bien conoce la situación de su primo; es por todos los abusos y tratamientos que ha recibido en el hospital psiquiátrico, pues como dice Violeta: "...Catalina ha sido sometida a todo eso..." haciendo referencia a cualquier tipo de tratamiento que le caye la boca. Además, la disyuntiva de la madre, su hija, su hijo y el dinero. Y en el caso del Doctor, quien es uno de los personajes más imparcial durante la obra, y cuyo arco dramático no se ve representado por el dinero que vaya a recibir, sino por la ética profesional que lo embarga.
Siendo este parte del argumento de la obra, la clave es saber llenar cada texto, pues desde la primera hasta la cuarta escena, la mayoría de los textos se basan en recuerdos profundos que afectan profundamente el presente.
Con respecto a la cultura y el año en el que se desarrolla la obra, hay que tener en claro que para 1937 New Orleans, y la parte sur oriental de USA es la más afectada después de la crisis de 1929, pues desde el siglo XVII hasta los tiempos que corren: Misisipi, New Orleans, Misuri, Georgia y el sur de Virginia son los estados con mayor taza de desigualdad social. Por lo cual, ser asquerosamente rico para la época en el sur, quiere decir que su fortuna se ha venido acumulando de generación en generación. Para Joe Murphy, no es lo mismo ser rico en el norte que en el sur de USA, es esa la razón por la cual la mayoria de las obras de T.W. se desarrollan en el sur, creando un estilo llamado "novela sureña" que, aunque no describe ampliamente la cultura sureña, los comportamientos y los espacios identifican claramente a una población. Como dato curioso "Garden District" el lugar donde se desarrolla la obra, es uno de los sectores más excluasivos de New Orleans, y el parque que lo rodea es más grande que "Central Park". Ahora, uno de los retos a la hora de representar a T.W. es mostrar una cultura que marca fielmente una época y un lenguaje. Tal vez, esto no aplique a nosotros porque no somos somos americanos y no hemos vivido en el sur, pero para Murphy, uno de los retos más grandes fue encarnar la cultura de New Orleans, que por cierto, T.W. detestaba pues cuando vivió en Columbus, vivió en uno de los sectores más pobres de la ciudad, y aun más, en Louisina (Misuri) donde se mudó a los 7 años, su casa era bastante humilde, ahora es un centro cultura, pero se encuentra en un sector muy modesto de la ciudad. Personalmente, ví unos videos de la obra, y el acento sureño de la costa oeste, le da un toque bastante particular a los personajes, pues tiene una musicalidad y entonación que le da un matíz diferente a los textos. Otro punto importante, y lo digo por experiencia, son los crudos veranos que alcanzan hasta los 42°C, y donde la noche llega sobre las 10. Si analizamos bien la obra de T.W. 7 de ellas tienen el título de Verano en su portada, 6 de ellas tienen el título noche, y 5 tienen el título de primavera. La razón, para Joe Murphy es que USA y sus habitantes cambian durante el verano, la gente es otra, y esto se debe a todas las festividades, el cambio de horario, el sol y todo lo que pasa en esta época. Un dato curioso, es que Tennesse Williams detestaba Misuri y San Luis, que es donde terminaría estudiando, pues lo molestaban mucho por marcado acento del sur, que todos sus personajes van a tener, y es ésta la razón por la cual se muda a New York en 1942. También cabe aclarar que muchos de los escenarios de sus obras son lugares donde él vivió, como "En un tranvía llamado deseo" en New Orleans y sus personajes son gente que fácilmente se pueden encontrar en las poblaciones sureñas de américa.
Conclusión: Para Joe Murphy, en su experiencia al montar "De repente, el último verano" lo que más le costó fue encontrar al casting ideal para cada papel, trabajar el texto en la quietud, es decir, los textos se dicen de manera muy relajada, pero la carga dramática es muy profunda, y finalmente trabajar la cultura y el acento, su visión como director de San Luis, donde estudió T.W. era mostrar una cultura y un época determinada en el montaje.
Por otro lado, entrevisté al Sr. Logan Daugerthy, profesor de historia y sociología de la KU. Me contó la diferencia entre el sur y el norte, que es algo muy marcado en la cultura norteamericana, que como conclusión y a nuestro equivalente, podría decir que los ricos del sur son un poco ordinarios, pues en el sur se concentran todas las plantaciones y la parte agroindustrial de USA, mientras que en el norte se encuentran las industrias y las fábricas de hierro y suplementos automotores. La razón por la cul hay tanta diferencia, se remonta a  1850 aproximadamente, 10 años antes de la guerra civil norteamericana, donde sur y norte luchaban por la tercera enmienda o la libertad para todos los esclavos. La razón, no era porque querian a los negros en el norte y en el sur no, la razón era porque los esclavos no eran últiles en el norte, pues ahí no hay plantaciones, y en el sur sí, y al mantener esclavos a los negros en el norte no eran útiles a la surgiente economía mercantil norteamericana. Como dato curioso, el río misisipi que cruza New Orleans, donde se desarrolla la obra, es como el magdalena, pues cruza USA de sur a norte, y todos los cargamentos de esclavos llegaban a New Orleans, y éste era el peor sitio para ser esclavo, si eras mal esclavo en cualquier otra región de norteamérica, te enviaban a New Orleans para ser castigado. De aquí que en New Orleans nasca el blues, el jazz, el swing, y otros ritmos afrodescendientes, también esta es la razón por la cual los estados del sur, y en especial New Orleans, Georgia, Misuri y Misisipi sean los estados más desiguales de USA, pues la parte del sur fue en algún tiempo colonia española y allá también llegó lo peor de España.
Como contraposición, la obra fue escrita en 1958, una época crucial para los Estados Unidos, pues una de sus épocas doradas, donde norteamérica estaba cosechando todos los frutos que sembró durante la segunda guerra mundial, y lo posesiona como gran victorioso y vencedor. La guerra le trajo prosperidad y riqueza a todos sus habitantes a inicios de los 50 y para comienzos de los 60 USA gozaba de una gran riqueza económica. En contraposición a esto, a inicios y mediados de los 60 surgen todos los movimientos hippies y liberalistas que estaban en contra de todo lo que acababa de pasar en norteamérica, de ahí, bueno, es la guerra de Vietnam, pero ese ya es otro tema.
La obra fue llevada al cine por mano del alemán Joseph Mankiewicz en 1959, un año más tarde, y hace parte del cine dorado de hollywood por el clasicismo sureño y la profundidad dramática que se muestra. La película le valió a Elizabeth Taylor su primer oscar por el papel de Catalina Holly y 4 nominaciones más por mejor actor y actriz principal. T.W. co escribió el guión para la gran pantalla con Mankiewicz. En la versión cinematográfica se eluden los comentarios o referencias homosexuales, debido a la PCA (Production Code of Administration), órgano de censura de películas en Estados Unidos que cuida que el contenido sea apropiado para el público.  
Leer más escritos click aquí

Salomé y Woyzech

El uso de referencias bíblicas en las obras “Salomé” y “Woyzeck”

El uso de textos y referencias bíblicas en las obras “Salomé” de Oscar Wilde y “Woyzeck” de Georg Büchner para hacer una crítica religiosa en el siglo XIX. Aunque ambos escritores tienen más obras y textos que los inmortalizaron, fueron estas dos obras de teatro las que dejaron una huella profunda en la literatura del siglo XIX, y algo en común que tienen ambas es el repetido uso de textos bíblicos para hacer una crítica religiosas. En el caso de Oscar Wilde, se le prohibió estrenar su obra en Londres por una ley que decía que ninguna obra podía llevar un contenido bíblico en ella, y en el caso de “Woyzeck”, el papel de Marie pide perdón por sus pecados en la escena XVI como si fuese una prostituta por engañar a su marido.
En la primera obra, “Salomé” se usa un total de 15 referencias bíblicas, desde el relato de “Salomé”, hasta las líneas que habla Yohanán, y las funciones del profeta. Ahora, la crítica que hace el autor con la obra, es liberar al profeta de su investidura religiosa, y lo pone al mismo nivel que cualquier mortal, la obra muestra al profeta como un ser humano corriente, que para el final de la obra, pareciera que por momentos duda de su investidura para salvar su vida cayendo en manos de la hermosa Salomé. De esta manera, Yohanán ya no es un hombre tan santo ni tan recio como lo cuenta la biblia.
Ahora, en el caso de “Woyzech” el uso de referentes bíblicos es de 14, y el uso de sus textos es más apocalíptico y oscuro, mientras que en “Salomé” el uso de los textos es más profético y condenador. La crítica religiosa en “Woyzech” es que la religión hace ver al hombre como nada, algo vano y pecaminoso, con pasiones bajas que lo alejan de Dios y lo condenan al fuego eterno. Es por ésta razón que la primera referencia bíblica es el fuego abrasador (el infierno) y la última es la luna ensangrentada, que es una de las siete señales que vaticinan el fin del mundo. De esta manera, Büchner hace caer en cuenta que no es el hombre quién se separa de Dios, sino la religión la que separa a Dios del hombre, lo aleja y hace ver al hombre como un ser indigno merecedor del castigo por sus comportamientos naturales.
Finalmente, es importante resaltar que el uso de referentes bíblicos en estas obras del siglo XIX tienen como intención cuestionar el comportamiento religioso, pues en “Salomé” se muestra a un profeta que también es un hombre, y en “Woyzech” se muestra al hombre como realmente es, y cómo por su naturaleza es condenado al castigo.
Leer más escritos click aquí

¿Qué es la ilustración?

Como estoy en ese proceso de compartir con el mundo un poco de mis experiencias como estudiante, aquí va otra de mis pruebas escritas. Espero les sirva de ayuda

Análisis sobre el texto de Emmanuel Kant: “Respuesta a la pregunta ¿Qué es ilustración?”


  1. Ideas principales y secundarias del texto

Ideas principales

  • La ilustración es la salida del hombre de su autoculpable minoría de edad.
  • La minoría de edad significa la incapacidad de servirse de su propio entendimiento, sin la guía del otro.
  • Es muy difícil para todo individuo salir de la minoría de edad.
  • Cuando el hombre piensa por sí mismo pierde la minoría de edad, y tendrá estimación racional del propio valor y la vocación.
  • Los prejuicios le dan rienda suelta a la masa carente de pensamiento.
  • Para que exista la ilustración se requiere libertad.
  • La libertad es hacer uso público de la razón.
  • Los tutores (en asuntos espirituales) contribuyen al despropósito que desemboca en la insensatez.
  • El sínodo de la iglesia es un obstáculo de la ilustración.
  • No vivimos en una época de ilustrada, pero sí vivimos en una de ilustración.
  • Un príncipe que de libertad a los hombres para elegir su inclinación religiosa es digno de elogios, pues da libertad moral a sus súbditos para usar su propio entendimiento.
  • Salida del hombre de la minoría de edad en materia religiosa.
  • Un gobierno ilustrado dice: ¡Razonad, pero obedeced!

Ideas secundarias

  • Uno mismo es culpable de la minoría de edad, no por falta de entendimiento, sino por falta de decisión.
  • Debemos tener valor de servirnos de nuestro propio entendimiento.
  • Ser menor de edad es muy cómodo.
  • Los tutores se encargan de hacer ver el paso a la mayoría de edad como algo peligroso, pues tarea es encaminar lo que ellos ven como sensato.
  • Los instrumentos mecánicos de uso racional como los principios y las fórmulas son los grilletes para permanecer en la minoría de edad.
  • Son pocos los que deciden salir de la minoría de edad.
  • Nunca se le ha dejado hacer el ensayo de salir de la minoría de edad al individuo.
  • Hay hombres que piensan por sí mismos.
  • Cuando el individuo es libre, puede ilustrarse así mismo.
  • Inculcar prejuicios en el público es perjudicial.
  • Por todas partes encontramos limitaciones a la libertad.
  • Las generaciones futuras, o el porvenir está en todo el derecho de rechazar las costumbres de este tiempo.
  • Un pueblo puede crear su propia ley si encuentra en corto tiempo una mejor manera de introducir un nuevo orden que deje en libertad a todo ciudadano.
  • Es ilícito para el hombre levantarse contra el orden religioso establecido.
  • Un hombre negarse a la ilustración, pues lo hace en pro de sí mismo, aunque este acto pisotee los derechos de posteridad humana.
  • Un monarca puede elegir sobre la libertad de un individuo, pues en el poder de su legislación descansa la de todo un pueblo, por lo cual, el monarca como figura gubernamental no es libre.
  • Falta todavía mucho para que el hombre viva en la libertad del entendimiento en materia religiosa, pues necesita de un guía constantemente.

  1. Conceptos

ILUSTRACIÓN: Salida del hombre de su autoculpable minoría de edad.

MINORÍA DE EDAD: Incapacidad de servirse de su propio entendimiento.

TUTORES: Guías que impiden el libre pensamiento de los individuos.

LIBERTAD: Capacidad de pensar por sí mismo.

GOBERNANTE/MONARCA: Figura legislativa sobre quien recae la voluntad de un pueblo.

  1. Planteamientos

Emmanuel Kant hace una serie de planteamientos con respecto a la libertad de pensamiento y la madurez humana, relacionada directamente con los conceptos de moral y prejuicios religiosos.
Como primer planteamiento, Kant habla de que el ser humano en general se encuentra en una minoría de edad, es decir, que no puede pensar por sí mismo debido a la guía e instrucción de tutores de carácter religioso, primordialmente.
En segundo lugar, Kant propone que es muy difícil salir de esta minoría de edad, mientras existan prejuicios y una moral religiosa. Sin embargo, hay pocas personas que han decidido salir de esa minoría de edad. Esto es un acto revolucionario, pues deciden pensar por sí mismos.
En continuidad, Kant define la ilustración como la libertad de pensamiento y el razonamiento en público. Es decir, hacer uso de la razón de manera consciente, pues Kant propone que el hombre que vive en la minoría de edad razona y obra de acuerdo a la guía de sus mentores (religiosos primordialmente).
Ahora, partiendo del planteamiento anterior, Kant se pregunta: ¿Un pueblo puede crear sus propias leyes? la respuesta es que si puede encontrar una nueva forma que reemplace la anterior, en un corto tiempo, es posible; además, de que su forma de gobierno debe mantener en libertad a todos los ciudadanos del estado.
Además, Kant habla de que no vivimos en una época ilustrada, pero sí en una época de ilustración. Y para que el hombre llegue a la ilustración debe dejar atrás todo prejuicio y moral religioso, pues es éste, quien le impide usar su propio razonamiento.
Finalmente, Kant plantea que pasará muchísimo tiempo antes de que el hombre viva en la ilustración, pues necesita de una guía religiosa que lo instruye y lo ayude a pensar.

Resumen
La ilustración es el escape del hombre de la minoría de edad que él mismo se ha provocado. Dicha minoría de edad es la incapacidad del propio ser humano de razonar o desarrollar su entendimiento por él mismo y esto lleva directamente a una dependencia que sugiere la intervención de otra persona para la toma de decisiones.
Kant ofrece en este párrafo la definición más conocida de Ilustración: ¡piensa por ti mismo! o lo que es lo mismo, no dejes que otros piensen por ti. Del mismo modo que la ciencia había conseguido progresar al desvincularse del dogmatismo religioso y la filosofía griega (Aristóteles), así también la Ilustración como movimiento cultural aspira a extender esa idea a todas las artes y ámbitos del saber. Mientras el pensamiento y los individuos continúen sometidos a dogmas religiosos o políticos y no sigan su propio camino permanecerán en minoría de edad, una condición de la que son culpables y están obligados a remediar. Un ejemplo especialmente significativo de este “pensar por ti mismo” fue la labor que llevó a cabo la Enciclopedia de Diderot, D'Alembert, Voltaire, Rousseau.. Su objetivo final era la
emancipación política y el progreso moral del género humano a través de la difusión del saber.
Más que una crítica al contenido mismo de la enseñanza que se imparte en su época ±en especial en asuntos religiosos- Kant pretende denunciar su exposición dogmática y,correlativamente, su recepción irreflexiva por parte de los hombres sometidos de manera
libre.En referencia a esta libertad, Kant aclara que para la ilustración no se requiere más que su ejercicio autónomo e individual (interiorización personal de la ideas), pero más específicamente, aquella para poder hacer uso público de la razón en todos los asuntos.
En conclusión Kant confía en que la mera libertad de pensamiento transformará a los hombres de tal manera que llegará el día en que no tengan que ser tratados como súbditos o máquinas sino como ciudadanos conforme a la dignidad que les otorga la libertad.
Doscientos años después del texto de Kant seguimos sin estar preparados para ser colegisladores reales. La democracia consiste en votar cada cuatro años y transformarse en siervos de los mercados mientras tanto.
Leer más escritos click aquí


El arte del zen en el tiro con arco

Autor: Eugene Herringel
Género: Filosofia
País: Alemania
Año: 1953
Leer en línea click aquí

ZEN EN EL ARTE DEL TIRO CON ARCO
No sólo se trata de que ustedes demuestren su destreza, sino de que lo ejecuten con la ceremonia que el acto mismo requiere. (Herrigel: 92)
 Para iniciar este análisis, es necesario mencionar lo que el autor del libro, Eugen Herrigel, habla acerca del arte del zen: "Es muy difícil explicar con palabras una disciplina tan compleja y espiritual como lo es el tiro con arco. Y más aún la filosofía milenaria del Zen en la cultura japonesa" (Herrigel:14). Con esto podemos tener una leve idea de cómo se domina un arte, es decir, cómo transformar un algo ajeno en un algo propio; siendo la práctica  y la repetición consciente y natural lo que nos lleve a un fin, o a una ruta que abre más caminos. Ya que a mi modo de ver, el autor no propone una búsqueda de resultados, es más, propone la búsqueda de un camino que no necesariamente arroje los resultados que nosotros buscamos, y como él mismo dice: "Ya en la primera clase habríamos de percatarnos de que el camino del arte sin artificio no es fácil" (Herrigel:33).
En esta primera fase, puedo relacionar el proceso del Zen en el tiro con arco, con mi acción física. Es decir, para los actores en formación es común encontrarse con la frustración constantemente, pues buscamos resultados inmediatos sin pasar por un proceso natural y orgánico. Es tal el punto de nuestro afán de resultados, que forzamos las emociones, nos saltamos las acciones y vamos hacia lo que nosotros creemos que está bien. Ahora, en esta primera fase el autor nos habla de hacer las cosas por el gusto y la necesidad que tenemos de hacerlo, en este orden de ideas, no estamos detrás de un resultado, sino detrás de una búsqueda y aprendizaje personal. Es así, como el autor propone trabajar sin ninguna pretensión, sin una segunda intención. "El acceso está abierto sólo a aquellos que se acercan con el corazón puro, es decir, libre de segundas intenciones" (Herrigel:17).
Para seguir hablando de este trabajo "limpio e inocente", algo importante que me parece resaltar es que el autor habla acerca de que el tiro con arco, de acuerdo a la "Doctrina Magna", "concierne a un enfrentamiento del tirador consigo mismo" (Herrigel:16). La búsqueda de este arte consiste en "Una maestría cuyo origen ha de buscarse en ejercicios espirituales y que tiene por finalidad acertar en lo espiritual. En el fondo, el tirador apunta a sí mismo y tal vez logre acertar en sí mismo"(Herrigel:15). Lo interesante en las dos citas anteriores, al igual que en el trabajo de las acciones físicas es ese enfrentamiento con uno mismo, esa búsqueda personal que saca lo mejor y lo peor de nosotros mismos. De acuerdo al libro, un buen actor usa una acción física para desnudarse así mismo, para confrontarse con su yo personal, que es lo que estamos haciendo en clase.
Además, el libro nos demuestra cómo a través de años y años de práctica; se puede lograr una  separación entre el espíritu, cuerpo y mente; para así liberar al ello - nombre que se le da a la esencia espiritual del hombre - de toda contaminación terrenal que haya atrofiado su mente. Con todo esto purificará su espíritu y su ello con el arco; la flecha, la cuerda y el blanco harán uno, un ente nuevo y renovado, un símbolo de pureza. De esta manera, siendo uno solo con cuerpo, mente, espíritu, arco, flecha, cuerda y blanco; el tiro será algo netamente natural. Debemos mencionar, que es un estado de paz el que trae control sobre el éxito de nuestro lanzamiento. En palabras del mismo autor: "Sólo que, exclamando una y otra vez relajado -palabra que mientras tanto había aprendido - seguía poniéndome el dedo en la llaga" (Herrigel:33). Es decir, el actor, al igual que el tirador, debe entrar tranquilo y relajado para poder realizar su arte. Un cuerpo libre y sin tensiones en el cuerpo de todas las posibilidades.
Todo este proceso de aprendizaje toma años en de práctica, además de una pasión y una disciplina constante para poder perfeccionarlo, ya que con un solo tiro se debe acertar al blanco y no fallar, tirándolo en el momento preciso. Desde mi punto de vista, y según las vivencias del autor, se puede decir que la madurez refleja perseverancia. Llevando este proceso a la práctica, debo decir que nuestras acciones y decisiones deben ser acertadas como consecuentes. Ya que en el hacer nos hemos dado cuenta de cuando un mal movimiento convierte una acción en falsa.
De esta manera, podemos afirmar que para que un tirador y un actor se aproximen en su arte, deben entrar en un estado de absoluta liberación, en el que sea conscientes de su cuerpo y los procesos energéticos que lo envuelven. El autor, a manera de conclusión menciona que "La suprema libertad aún no se le ha convertido en necesidad absoluta" (Herrigle:111). Esta premisa me lleva a preguntarme ¿Cuál es mi necesidad absoluta? en este momento aún no lo sé. Pero sí sé que quisiera llegar a la liberación suprema, donde todo mi ser se conecte en uno solo, llegar a estados que propone el autor, como "El desprendimiento y la liberación necesarios, la internalización y condensación de la vida hasta la plena presencia de espíritu" (Herrigel:59).
Ahora, es importante mencionar que en todo este proceso, el del autor; la presencia de su maestro Kenzo Awa fue indispensable, pues es él quien lo guía en todo este camino. Según el autor, a la mitad de su proceso, y después de realizar algunos meses de ejercicios de respiración, creía que ya había hecho mucho; por lo contrario su maestro le dice: "Todo lo que usted ha aprendido hasta ahora (...) no son más que ejercicios preparatorios para el disparo." (Herrigel:44). En algunos momentos, cuando ensayamos y ensayamos y creémos que hemos logrado algo, al momento de presentarlo, nos damos cuenta que no hemos logrado nada. Tal vez, y sólo tal vez, hemos logrado como prepararnos para empezar a entrar a escena o en una acción, pero no hemos cavado hondo y profundo como tal.
Finalmente, y a manera de conclusión, puedo decir que el texto nos enseña  y demuestra cómo el maestro pone a prueba la perseverancia del alumno, cómo le proporciona todas las variables del arte del tiro con arco. Le instruye desde cómo respirar, hasta la forma de tomar el arco. También, cómo soltar la cuerda y cuándo hacerlo, hasta llegar hasta el disparo. Todo esto debe estar coordinado de tal manera que sólo con la práctica y las pruebas que el maestro estime conveniente se podrá lograr, ya que el pupilo debe convertir esos actos en una rutina cotidiana, hacer suyos los movimientos y que el acto de tirar la flecha al blanco sea algo tan natural como dormir cuando se tiene sueño. Que si lo llevamos al lenguaje de acciones físicas, debemos ser conscientes que la perseverancia y la constancia, como proceso orgánico y natural nos llevará por el camino indicado. Que los resultados se darán por sí solos en el momento que deban llegar, todo obviamente, con una preparación previa  y un entrenamiento riguroso, en el sentido de la disciplina, pero que dista mucho de la tensión y la rigidez.
Leer más reseñas click aquí. 








Hacia un teatro Pobre

Autor: Jerzy Grotowski
Género: Teatro - Educación
Año: 1968
País: Rusia


Hacia un teatro pobre  es un texto de Jerzy Grotowski  en el que se exponen las principales ideas y experiencias que llevaron a este director y teórico teatral a desarrollar lo que llama "Teatro pobre".  El libro se compone de  13 capítulos y un  apéndice escritos por Grotowski  junto con otros teóricos y críticos teatrales como Eugenio Barba, Nain Kattan, Ludwik, Flazen , Franz Marijnen y Margo Glantz.

En  un  primer momento Grotowski habla de su elección por la pobreza en el teatro: en su Laboratorio Teatral trataron de "definir qué es el teatro en sí mismo, lo que lo separa de otras categorías de representación o espectáculo" (Grotowski, 1970: 9); en esa búsqueda se formuló preguntas como ¿qué es el teatro? ¿ por qué es único? ¿qué puede hacer que la televisión o el cine no pueden? Tales cuestionamientos lo llevaron a ver que el teatro puede existir sin maquillaje, sin luces, sin vestuarios especiales, sin escenografía, sin efectos de sonido etc, pero "no puede sin la relación actor-espectador en la que se establece la comunión perceptual, directa y viva" (Grotowski, 1970:13).  De esta manera en el texto se define el teatro como "lo que sucede entre el actor y el espectador".

Todo lo anterior, llevó a Grotowski a experimentar escenarios no convencionales en los montajes de las obras; de esta forma se propuso que los espectadores estuviesen muy cerca a los actores e inclusive que a veces representaran un rol dentro del montaje; este es el caso de  lo que sucede en la "última cena" de Fausto, en un refectorio de un monasterio, donde "Fausto agasaja a los espectadores, los huéspedes de una fiesta barroca servida en enormes mesas, al tiempo que les ofrece episodios de su vida" (Grotowski, 1970 :15), o del Príncipe constante, donde los asistentes miran la obra como si fueran espías observando un acto prohibido.

Si bien para Grotowski, el texto no es la base fundamental del teatro, tampoco lo rechaza ni lo considera superfluo. Para él lo importante  no son las palabras sino lo que el actor logra hacer con ellas. Los grandes textos clásicos son como las voces de los ancestros que además nos permiten generar un confrontación con nuestro "ahora". Hay obras que siempre están vivas.

A  continuación, aparece una reflexión con respecto a varios aspectos del arte teatral y del trabajo del Laboratorio escrita entre Barba y Grotowski. Teniendo como base la definición que desde esta perspectiva se le da al teatro,  resulta de vital importancia  el trabajo que el actor realiza consigo mismo; así, en este aparte, los autores hacen una diferenciación entre el "actor cortesano" y el "actor santificado". La técnica del actor santificado es una" técnica inductiva ( es decir una técnica de eliminación), mientras que la técnica del actor cortesano es una técnica deductiva (es decir, una acumulación de habilidades)" (Grotowski, 1970:29). Así pues, lo que propone Grotowski es una vía negativa, la cual no se trata de una acumulación de técnicas, sino de la destrucción de obstáculos.  

Con la palabra santo no existe la intención de darle un sentido religioso al actor, es más bien "una metáfora que define a la persona que con su arte puede ascender la escala y realizar un acto de auto sacrificio". En este sentido, para Grotowski,  la técnica del actor  es la de la penetración psíquica, "debe aprender a utilizar su papel como si fuera un bisturí de cirujano, para disecarse (...) como un trampolín, como un instrumento mediante el cual estudiar lo que está escondido detrás de nuestra máscara cotidiana - el meollo más íntimo de nuestra personalidad - a fin de sacrificarlo, de exponerlo". (Grotowski, 1970:31)
La realización de este acto de auto penetración y exposición exige una movilización de todas las fuerzas físicas y espirituales del actor; por ello una de las principales preocupaciones de Grotowski sobre el trabajo del  actor radicaba en el  cuerpo y mente del actor, y en consecuencia de su entrenamiento. En el libro Hacia un teatro pobre hay dos capítulos referentes a este tema: el primero muestra el resultado del trabajo y la investigación del Teatro Laboratorio bajo la dirección de Jerzy Grotowski durante los años comprendidos entre 1959 y 1962, y el segundo es del año 1966 extraído de las notas de Franz Marijnen sobre un curso dictado al INSAS en Bruselas a cargo de Grotowski y Cieslak.

Los ejercicios que Grotowski determinó para el entrenamiento actoral están orientados a solucionar problemas de tensiones musculares, de respiración, de colocación de la voz, de dicción, de decisión y sensibilización. Para él es importante realizar un trabajo desde la imaginación, por ello acude a varias imágenes ( por ejemplo de animales) que le sirvan al actor como motor de movimiento y como base para una comprensión más orgánica del trabajo con la voz.  Así, el teatro pobre no le ofrece al actor la posibilidad de un éxito diario, sino la posibilidad de una exploración profunda  que le permita depurar y eliminar los obstáculos corporales y mentales.

El entrenamiento,  además de lo anterior, le permite al actor aprender a escuchar sus propios impulsos vitales y a canalizar sus energías, lo que a su vez ayuda a comprender lo que sucede en el teatro  de manera más orgánica y no superficial y falsa.

Basado en todo lo anterior, Grotowski plantea que uno no debe preguntarse todo ¿cómo hacer esto? o ¿cómo debe representarse Shakespeare?, sino  ¿ cuáles son los obstáculos que bloquean su camino para alcanzar el acto total que debe comprometer todos sus recursos psicofísicos, desde lo más instintivo hasta lo más racional?, ¿ qué resistencias existen?. (Grotowski, 1970:178) El actor debe prepararse para ser absolutamente sincero consiguiendo que la consciencia y el instinto estén unidos.

Para evitar caer en la actuación mecánica, el autor propone que el actor debe realizar una partitura como la de un músico; sin embargo lo más importante es que esta partitura  conste de los elementos de contacto humano, es decir que permita el encuentro real entre humanos. Es un "dar y tomar" constante.

A manera de conclusión y para finalizar el texto, Grotowski realiza una declaración de principios en la que manifiesta sus principales consignas sobre la manera en que debe trabajar el actor. Así expone la necesidad que tiene el actor por cultivarse así mismo, entender la importancia de su oficio y cómo su cuerpo es su principal herramienta de trabajo. Todas estas reflexiones apuntan a la necesidad de enfocar mi entrenamiento y mi formación actoral a la práctica de las acciones físicas, a la necesidad de crear una partitura concreta de mi cuerpo y la creación de un personaje para hacer un teatro consciente y diferente, como el que Grotowski propone en su libro.
        
En suma este libro representa un joya para los actores y directores teatrales. Si bien, como ocurre con todos los autores, no debemos aceptar estas palabras como una verdad absoluta, las perspectivas, propuestas y experiencias allí consignadas son una base vital para la comprenciòn del trabajo.

BIBLIOGRAFÍA

Grotowski, Jerzy. 1970 (2011) Hacia un teatro pobre. siglo veintiuno editores.
Leer más reseñas click aquí. 

Stanislavsky dirige

Autor: Vásil Toporkov
Género: Teatro - Educación
año: 1961
País: Rusia



BIBLIOGRAFÍA

Toporkov, Vasili. Stanislavsky dirige. Buenos Aires: Compañía General Fabril Editora, S.A., 1961.
Leer más reseñas click aquí.