Bombos y Platillos

Autor: Bertolt Brecht
Género: Teatro / Comedia
Páginas: 95

País: Alemani

Idioma: Alemán

Traducción de León Mames1985 por Ediciones 

Adaptación de la obra de George Farquhar
Colaboraciones: B. Besson, E. Hauptmann
Nueva Visión SAIC, Buenos Aires, Argentina.
ISBN: 950-602-113-9

No podía terminar el semestre sin que hiciera mención a la obra, que como todos ustedes saben, montamos a final de semestre, y corresponde a nuestra evaluación final. Pues bien, la historia se ubica en un pequeño pueblo de Inglaterra junto al río Severn, Shesbury, conocido por ser la cuna de Charles Darwin y la Revolución Industrial Inglesa. Cerca del año 1700, se empieza a reclutar ejércitos para defender las colonias inglesas del Rey "El loco" Jorge en América.

Todo comienza, cuando el sargento de infantería Barras Kite, llega a Shesbury para reclutar a todos los jóvenes mayores de 17 años y superiores a 5 pies de alto, para viajar a américa a acabar con el grito de insurrección por la independencia. En este mismo pueblo, se encuentra una joven llamada Victoria, hija del juez de paz Balance, quien está perdidamente enamorada del capitán Plume, capitán de los ejércitos de su majestad que peleó en américa en la batalla de Bunkerhill. El meollo del asunto ocurre, cuando esta joven, decidida a hacer del capitán Plume el hombre de su vida, se disfraza de hombre e ingresa a las filas del ejército para estar junto al hombre que ama y viajar en ultramar hacia el nuevo mundo. Como lo dice la misma Victoria en su canción e interludio ante el telón: 

Hay instantes en la vida 

cuando tienes que elegir

obedecer a la pasión

o hacer caso a la razón

En estos cuarto versos, podríamos definir gran parte de la obra, ¿Cuál es la mejor decisión?. Eso lo decide el lector. Si bien el argumento es bueno e innovador, y como el mismo Brecht dice: "Hago un teatro político a servicio del tiempo en el que me encuentro", no es una de sus mejores obras. Y aunque es fresca y actual en muchos sentidos, al igual que "Hombre por Hombre", la obra no alcanza a desarrollar muchos puntos claves de manera concreta; como lo es el reclutamiento forzado, la guerra de independencia en américa, la caída del imperio del Rey Jorge, en fin,. son temas que se tocan de manera superficial, pero no se desarrolla ninguno de ellos a profundidad. La comedia se enfoca en los conflictos internos de los personajes, que como en la mayoría de obras de Brecht, son muchos y son episódicos, sin poder ver a profundidad en conflicto político y social que enfrentaba Inglaterra en aquella época. Además, la comedia no es muy divertida, si bien el personaje de Kite, se lleva todos los honores por su astucia, ingenio y picardía, como un Juan Falstaff en Enrique V, los otros personajes no alcanzan a sostener la línea de acciones que los demás personajes poseen. Ahora, cabe aclarar que la fascinación por este personaje es instantánea, pues en su primer interludio ante el telón, deja ver a todo el público el juego y la audacia que acompañan y acompañarán cada uno de sus movimientos y estrategias.
Lo que sorprende al público en Kite, es que llega hasta los límites de sí mismo para conseguir todo lo que se propone. El cometido de Kite en medio de toda la obra es claro: Reclutar jóvenes para el ejército, y pasa desde engañar, dar dinero, timar, hasta disfrasarse, hacerse pasar por una vendedora de flores, un sacerdote anglicano y llevar a los jóvenes a juicio. Como se ve en toda la obra, los alcances de Kite no conocen límites. Es una pena que los personajes de Brecth no tengan una continuidad como lo tienen los personajes de Shakespare u otros autores, pero sería fascinante ver que pasa con este sargento, que ocurre cuando llega a américa, sin duda sabemos que llegará muy lejos en su carrera militar. Ahora, hay muchísimas cosas que podemos decir acerca de Kite, lo implícito en su vida, y lo bien construido que se encuentra, pero es mejor, que el lector llegue a descubrir el universo de picardía que lo embarga.
Otro personaje importante en la obra, es Victoria, una de esas mujeres que está acostumbrada a obtener todo lo que quiere, no solo por la posición social en la que se encuentra, y como lo reitera su padre, las 20mil libras que ha heredado por parte de su madre. Victoria es uno de esos personajes que es movido por el capricho y el poder, aunque aparentemente es el amor que profesa por el capitán lo que la mueve a asumir el rol de hombre y perseguirlo hasta América es el capricho de tener lo que no puede lo que la motiva interiormente. Al igual que Kite, pero en menor grado, Victoria es astuta y sabe lo que quiere y cómo lo quiere, el problema para ella, es cómo conseguirlo, qué hacer. A medida que avanza la obra, su astucia ve puesto a prueba, sin embargo; es la impaciencia lo que la hace menos ingeniosa que Kite, ya que finalmente, termina siendo desenmascarada por su padre.
Con respecto a todo lo que ocurre en el pequeño pueblo de Shesbusry, la condición social, no es la que vive el resto de Inglaterra, Shesbury es decadente como el imperio del Rey Jorge, y lo que afecta a algún personaje, afecta a todos. En el pueblo de Shesbury se ve reflejada la opresión política por parte del estado. Desde el inicio, los campesinos Appletree y Permain, que son reclutados con engaños, en el transcurso de la obra se ve el cambio que presentan en sus personalidades y el disgusto que hay en ellos por ir a América a pelear. En estos dos personajes, más en Appletree que en Permain, se ve el cambio o "lavado de cerebro" que hacen las fuerzas militares en los civiles. Ahora, la obra muestra como los jóvenes son enviados por nada a ofrendar sus vidas por una causa que ni siquiera conocen, con promesas de dinero, grandeza y estabilidad, no muy distante de nuestra actual realidad, claro.
Además, la obra nos cuenta los antecedentes de la batalla de Bunkerhill a orillas del río Hudson, donde 11000 hombres cayeron por manos de los rebeldes americanos, y aunque la victoria fue para Inglaterra, las pérdidas humanas fueron considerables. En este punto, Brecht pone personajes como Mike y Lucy, un joven que atiende una taberna y una empleada del servicio, que piensan más allá de lo que los soldados de su majestad dicen a los combatientes. Pues tanto Lucy como Mike, ven en el Nuevo Mundo, una nueva oportunidad, ya que volantes de insurrección han llegado hasta Inglaterra, donde se afirma que todos los hombres son iguales, una idea que retumba en las mentes de estos campesinos.
Sin embargo, a pesar de todo los trasfondos políticos y sociales que Brecht intenta manifestar en su obra, el desarrollo de estos conflictos no es lo suficientemente grande para todo lo que la obra promete ser.

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Fuente Ovejuna

Autor: Félix Lope de Vega

Género: Teatro / Drama

Año: 1613
País: España
Idioma: Español
Páginas: 122

Una de las tres grandes obras del dramaturgo español Lope de Vega, junto con “Peribáñez y el Comendador de Ocaña” y “El Mejor Alcalde, El Rey”. Lope de Vega, muestra al pueblo como verdadero protagonista y héroe de estas obras, ya que para la época las comedias burlescas y los dramas satíricos eran protagonizados, por grandes caballeros y héroes grandielocuentes que buscaban la paz y la justica. Sin embargo, el Fuente Ovejuna la que más claramente hace ver el sentido de reivindicación y justicia con respecto a sus gobernantes. Son los labradores, personajes del común, sin armaduras, ni espadas, ni títulos de nobleza los que obran de manera justa en la obra.

En consecución a lo anterior, quiero hablar de los grandes personajes femeninos, que encarnan la obra y la llenan de un gran aire revolucionario. Si bien, al inicio de la obra, son Laurencia, la hija del alcalde, y Pascuala, una labradora, las que hacen el aporte femenino en esta primera parte, es su grandiosa evolución y gran sentido de convicción los que hacen estas mujeres las verdaderas protagonistas de la obra. En el acto primera, se muestra a una Pascuala, que incentiva a su amiga a casarse con su verdadero amor, otro labrador, Frondoso; en lugar de aceptar los cortejos del comendador. Son los versos 180 y 196, los que nos dejan ver a una gran mujer con vigor y con fuerza, que no vende sus principios y que está a favor de la justicia. Y aunque en todo el desarrollo del primer acto, Pascuala tiene una participación sustanciosa, no es hasta el acto segundo, que con su amigo Mengo, otro labrador, empiezan a surgir aires de revolución en contra del comendador Fernán Gómez de Guzmán. Son los versos 1167, por parte de Mengo y 1176 por Pascuala los que hacen ver a los personajes con una posición política clara con respecto a los sucesos que ocurren en su pueblo. De igual manera, con la aparición de Jacinta, otra labradora, en el acto segundo, la obra toma otro rumbo, al triunfar la palabra del comendador sobre Laurencia y Frondoso. El aporte que Jacinta hace en este acto segundo se ve claramente en los versos 1185, 1189, y 1201 en adelante donde la mujer hace mención clara a sus amigos: “¿Tienes armas? [...] ¡Oh! Si las tuvieras”. Son estas palabras las que impulsa a sus amigos a levantarse en contra de los poderes opresores.

Cabe reiterar que Fuente Ovejuna hace alusión a la sabiduría popular, demostrando que es el pueblo quien tiene los poderes políticos a la hora de tomar decisiones. Si bien, en el acto primero se desata el conflicto, en el segundo se cocina, no es hasta el tercero, donde el pueblo estalla, decide tomar justicia por sus propias manos. Lo que más me impacto en esta revolución es que son las mujeres las que empiezan la revuelta, son los versos 1918 y 1919, los que una sola voz fémina se grita “¡Moriré matando! […] ¡Fuente Ovejuna, viva el rey Fernando!” A manera de conclusión, debo decir que la obra me impacta, ya que para ser escrito en el siglo XVI, muestra una posición clara de lo que el pueblo debe hacer con respecto a los tiranos, pero sobre todo, es la fuerza femenina, lo que da el combustible a esta gran revolución.

Ahora, me queda una profunda admiración por todas las amplias posibilidades que tiene el idioma castellano, y cómo Lope de Vega es uno de sus mayores exponentes, no sólo en esta obra, sino también en lo amplio que acoje su teatro.Respecto a los personajes que envuelven a "Fuente Ovejuna", revelan la condición político social que se estaba viviendo en la España del siglo XV, con los reyes católicos y sucesos reales, que ocurrieron con el comendador de Fernán Gómez de Guzmán. "Fuente Ovejuna" presenta la reivindicación de un pueblo con respecto sus gobernantes, y cómo éste tiene el poder, además, de la sabiduría que acompaña a la monarquía a la hora de tomar decisiones.

En esta obra, el verdadero protagonista es el pueblo, los labradores que representan a esa masa que, a pesar de su condición social, se levanta contra los tiranos y los opresores, que se ven representados por el comendador Fernán Gómez de Guzmán y sus servidores.

Ahora, en los versos 1280 y 1290 se ve una posición clara de Frondoso con respecto a lo que está dispuesto a hacer por Laurencia, y si bien, en medio de los tres actos, se ve una disputa entre el bien y el mal, en es el acto segundo, donde el mal, por medio del Comendador, triunfa y quiere separar a estos dos amantes, sin embargo, la posición firme de Frondoso al querer enfrentar al comendador por amor, nos deja mucho a la vista con respecto su carácter. De igual manera, la Pascuala, del acto tercero, muestra un claro poder de convicción con respecto a las personas que la rodean, en los versos 1837 y 1940, se muestra una mujer decidida a armar una revolución y dar muerte a un tirano. Cabe aclarar, que en “Fuente Ovejuna” es el poder femenino del acto tercero el que impulsa al pueblo a dar fin a tan terrible gobierno, es la turba de mujeres airadas de los versos 1820 a 1839, los que impulsan al pueblo a una revolución. Lo maravilloso de la obra, siendo uno de los tres dramas principales para el escritos, el que muestra al pueblo unido y autónomo con respecto a la tiranía de los malos gobernantes, pues son las canciones de los versos 1550 a 1560 los que hacen ver al lector y espectador, un pueblo que busca justicia.De igual manera, Lope de Vega, se apoya en esta búsqueda de la justicia, por mano de los reyes Don Fernando de Aragón e Isabel de Castilla, que siendo los soberanos de la nación, están a favor del pueblo y perdonan el crimen cometido a comienzos del acto segundo por mano de Fuente Ovejuna; pues cuando el juez y los reyes preguntan en los versos 2250 y 2260 “¿Quién mató a Don Fernán Gómez de Guzmán?” el pueblo contesta: “Fuente Ovejuna, señor” Dándole a la obra un aire de unión patriótica y heroísmo popular.

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Nicolai Roerich 1911

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Morir de Amor

Noches Como Hoy

Noches como hoy,

es posible que pueda morir de amor

Noches como hoy,

donde el azur de mis soledades acompaña el frío de tu cama

¡El frío de tu cama!

¡El azur de mis soledades!

Noches como hoy,

podría morir de amor,

podría amar muriendo,

podría vivir de recuerdos

y morir en el presente

Noches como hoy,

sin estrellas en el cielo,

sin la luna en el firmamento

con chirridos de ranas

y cantos de grillos.

Noches como hoy,

como las de ayer,

como las de mañana,

como las de siempre

podría morir de amor

vomitar rosas, llorar besos

sangrar recuerdos y suspirar olvido

Noches como hoy,

en las que la lluvia hiere como navajas la esperanza del recuerdo

en los charcos de incertidumbre que pisan las palabras de tu orgullo.

Esas gotas que caen de cielo negro en una noche negra

en un asfalto negro, frío y duro.

Noches como hoy,

¡Noches como hoy!

¡Ay, ay, ay me duelen las noches como hoy!

donde hace frío y tu estas lejos

Juan José Galeano Pareja

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Salomé

Autor: Oscar Wilde
Género: Teatro / Drama
Año: 1891
País: Inglaterra
Idioma: Inglés
Páginas: 127
Traducción al español de J. Pérez Jorba y B. Rodriguez
Madrid B. Rodriguez Serra, Editor. Flor Baja N° 9
Ilustraciones de L. Valera

"Salomé" el drama en un acto, llevado por la mano de Oscar Wilde a las tablas. Nos cuenta los sucesos que ocurrieron previos antes de la muerte de Juan el Bautista o Johanan, como se lo describe en la obra. A manos del escritor del prólogo del libro, E. Gómez Carillo, "Salomé es un dije soberbio, resplandeciente, entre sus senos", y describe que para Oscar Wilde, el relato bíblico es seco, falto de suntuosidad, de locura, de pecado, ya que un personaje como estos es digno de  tener su propia historia.

Salomé como personaje es la flor cárdena del jardín perverso, en el símbolo supremo de la lujuria, es la imagen de la belleza maldita, elejida entre todas por la catalepcia en la bestia monstruosa, irresponsable, que envenena todo lo que toca, todo lo que ve, a todo lo que se acerca, una mujer salida de la tumba en busca de otros muertos; por lo cual es necesario que su lujuria sea infinita y su perversidad sin límites. ¡Qué  el zafiro mismo pierda, sobre su piel de fiebre, la pureza de su azul!

Salomé, es el personaje de la omnipotencia femenina para Wilde, una mujer que es capaz de seducir, persuadir, convencer; todo con el desvío de su mirada, lo lascivo de sus movimientos y la sensualidad pura que emana de sus pechos.
El personaje del relato bíblico, cobra vida una vida y suntuosidad única en la obra. Que comienza con una noche de luna llena y estrellas abundantes en el cielo, la misma noche en que Herodes, rey de Judea celebra un banquete en su palacio. Los soldados y criados del palacio hablan de un hombre que se encuentra encerrado en una cisterna del palacio, según ellos, él se encuentra ahí por proferir insultos en contra de Herodias, esposa actual del anterior rey de Judea, y la actual esposa de Herodes. Según los soldados, el crimen de este hombre es decir la verdad, acusar al trono de judea de vivir en adulterio.
La fascinación que este personaje causa en la joven Salomé, llega al punto tal de querer conocerlo, los guardas y el ejercito real le advierten a la joven los peligros que corre, a ella no le importa, ella solo quiere ver al hombre que tan bien tienen custodiado en la cisterna. Tras los incansables y sensuales ruegos de Salomé, en la reja de la cisterna, el profeta Johanán aparece a los ojos de le bella princesa, con un aspecto desagradable, vestido con piel de camello y todo el desgaste que trae el vivir en una prisión. 

En las pupilas de Johanán, se ven brillar las llamas de la fe. La pureza es algo que atrae a Salomé, como los cuervos a la carroña. Los labios castos de un hombre son una tentación irresistible, esa virginidad en el cuerpo, que no se confunde con inocencia, por lo contrario, Johanán es entendido y vivaz, un hombre maduro, pero puro de espíritu; es esa pureza la que Salomé quiere pervertir.
Los ruegos incesantes de la joven por besar los secos labios del profeta, despiertan una lascivia en el ambiente del palacio, y a la vez hace que el ángel de la muerte sacuda sus alas.

Tiziano 1515

Lo excitante de la obra, es el personaje de Salomé, es esa mujer llena de erotismo, de vigor de sensualidad. Una de esas mujeres que es capaz de desviar con la mirada, de pervertir con el aliento. Una de las cosas curiosas en la obra, es que, aunque Johanán se muestre inmáculo como cualquiera de los santos, al lado de Salomé duda, con los solos diálogos, el lector puede ver como el profeta traga saliva ante las tentadoras ofertas de la princesa de Judea.
Es claro que Wilde se basó, no sólo en el relato bíblico contado en Marcos 5:6-22, sino también usa algunos textos del "Cantar de los Cantares", escrito por Salomón, para describir la belleza absoluta de Salomé, descripciones como: "¡Princesa, princesa. Tu que eres como la mirra, tu que eres la paloma de las palomas, no mires a ese hombre!" Cantarres 1:3. Y reflexiones del profeta Isaías, cuando Johanán dice: "Llamamos bueno a lo malo y malo a lo bueno", que se encuentra en Isaías 5:20. Aún así, la obra de Wilde es una amalgama entre lo santo y lo profano, la lucha constante entre el deseo y la santidad.
El momento culmine de la obra es cuando Salomé realiza el baile de los siete velos, desafortunadamente, las palabras no alcanzan a describir lo mágico y sensual que ocurre en ese momento, a mi manera de ver, también creo que el dramaturgo se queda corto para describir la escena, o pueda que su intención haya sido esa, dejar que la mente del lector vuele hasta lo más alto imaginándose una danza tan persuasiva que sea capaz de merecer la mitad de un reino.
Ahora, cabe aclarar que el relato bíblico nos cuenta que es la madre de Salomé, Herodías, quien persuade a su hija de pedir la cabeza de Juan, pero Wilde nos muestra, que es el deseo no correspondido lo que hace que la doncella cometer el homicidio, así, sin medir consecuencias, por el puro capricho de conseguir finalmente lo que quería, como lo anticipa la joven princesa al recibir la cabeza de Johanán en una bandeja de plata: "Segura estoy de que me hubieras amado; pues el misterio del amor es más profundo todavía que el misterio de la muerte."

Hay muchas cosas que se resaltan en la obra, que le dan un aire sobrenatural o mágico, como el lector lo quiera tomar, es decir, constantemente, en la obra se alaba la luna, como un símbolo nocturno que vaticina una tragedia llena pasión y muerte, "Parece una linda flor o de plata o una pequeña moneda. es fría y casta como una virgen, porque nunca se ha mancillado, entregándose a los hombres como las demás diosas" los toques de las estrellas en el cielo, el constante aleteo que solo pueden ver y sentir Herodes y Johanán, el ángel de la muerte.

Algo que me llama profundamente la atención, son los personajes del Joven Sirio, General de la guardía, y el Paje. Entre líneas, se puede leer la relación sentimental que estos personajes comparten. A mi manera de ver, estos personajes ponen un aire libidinoso en una noche calurosa, que acompañan a la perfección el estilo de vida de los emperadores romanos en medio de la ciudad santa. Esto personajes, me causan intriga, aun no me puedo imaginar la puesta en escena. Es decir, para realizar una obra como estas, se debe elegir el casting ideal, no cualquier actor o actriz podrían encarnar papeles como estos, pues personajes como estos, deben saltar a la vista con una vida muy cercana a los excesos, que en sus solos ojos, podamos ver el trasfondo pecaminoso que los acompaña.

HERODES: Tu hermosura me impresionó de manera extraordinaria... solo debería mirar al espejo, porque solo los espejos nos muestran la realidad.

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On the Waterfront

Título en español: Nido de Ratas

Director: Elia Kazan

Productor: Sam Spiegel

Guión: Budd Schulberg

Reparto: Marlon Brando, Eva Marie Saint, Lee J. Cobb, Karl Malden, Rob Streiger

Música: Leonard Berstein
Género: Drama

País: Estados Unidos

Idioma: Inglés
Clasificación: PG - 12
Duración: 108 min.
Estreno: 28 de Julio de 1954
Distribución: Columbia Pictures
Recaudo: UD$ 9.600.000

La película es ingenua, pero el personaje de Terry es profundo.

Calificación: 4.9/5

DATOS CURIOSOS

• Con este film Marlon Brando ganó su primer Oscar como Mejor Actor.

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La Olla

Aulularia
Autor: Plauto
Género: Comedia griega / Teatro
País: Grecia
Idioma: Griego
Páginas: 43
Plauto. Comedias I.Ediciones Cátedra, Edición de José Ramón Bravo. Madrid 2013


CARACTERÍSTICAS EN LOS PERSONAJES DE PLAUTO

Después de haber leído "La Olla", comedia de Plauto, es inevitable pensar en lo que serían los primeros vestigios de los personajes tipo, que más adelante serían usados por dramaturgos como Moliere, Shakespeare y Marlowe, por mencionar algunos. Es decir, cuando uno lee "El Judio de Malta" de Marlowe, inmediatamente el lector se transporta a la "Ollita", con personajes como: El viejo avaro, su hija, el pícaro esclavo; por mencionar algunos. De esta manera, es posible afirmar que, Plauto es el pionero en la creación de personajes y conflictos tipo, para el desarrollo de una comedia, y que más adelante, sus personajes y temas serviría de inspiración para las futuras comedias de Bocaccio, Moliere, Marlowe y Shakespeare.

En la "Ollita", comedia en V actos, de la cual se desconoce su final; nos cuenta la historia de un viejo avaricioso, llamado Euclión, el cual encuentra una olla de oro en su casa, y su preocupación es tal, que hace hasta lo imposible por mantenerla a salvo de ladrones y bandidos. El conflicto de la obra empieza, cuando Megadoro, un hombre viejo de Atenas, solicita a Euclión la mano de su hija Fedria, quien ha sido violada por el joven Licónides, y del cual espera un hijo.

Euclión, personaje principal de la "Ollita" es el primer avaro en la historia de las comedias en el teatro; de esta manera, representa la codicia y lo que de ella se deriba, llevado a un punto extremo. Apesar de que Euclión es un hombre avaro, Plauto nos cuenta que es un hombre pobre, y esta pobreza ha sido heredada desde tres generaciones anteriores. Ahora, es en est epunto donde resaltamos uno de los temas fundamentales en las comedias griegas y romanas, los hijos son responsables de los actos de los padres, es decir, la pobreza de Euclión es causa de su abuelo, quien fue el primero en poseer la olla de oro, y que por avaricia, decide enterrarla y ocultarla de su propio hijo, que a su vez, se ve sumido en la pobreza. Plauto nos cuenta que, la causa de que Euclión encuentre el oro, es su hija Fedria, quien todas las mañanas pone incienso al protector familiar "Lar", y es éste, quien hace que Euclión encuentre la olla de oro enterrada. 

En el momento en el cual inicia el conflicto de la obra, cuando Euclión encuentra la ola de oro, y Megadoro pide a Fedria en matrimonio. Nuestro viejo avaro, empieza a imaginar que todo el mundo quiere robar su oro, empezando por su esclava Estáfila, a quien acusa constantemente que de querer robar su oro. Aunque la "Ollita" sea una comedia, es inevitable pensar en el estado de Paroxismo al cual Euclión va entrando conforme avanza la obra, pues desconfía de todos y cree que todos están detras de él, aun imaginando situaciones en las cuales el cree que todos buscan su oro. 

Aparte de la avaricia, Euclión es egoísta, pues ni siquiera le importa el bienestar de su hija. Al inicio de la obra, el Lar familiar cuenta que hace que Euclión encuentre el oro, para que tenga dinero en dote para casar a su hija, que en definitiva, poco y nada le importa a Euclión, es tal el punto de su egoismo, que ni siquiera ha notado que su hija fue violada 10 meses atrás y que está a punto de dar a luz, y que al momento en que Megadoro la solicita en matrimonio, Euclión hace un fuerte incapié en que no tiene dote para su hija, aunque él mismo tenga el dinero.

Ahora, con Euclión, viene Fedria, que aunque no se hable mucho de ella en la obra, su participación no deja de ser fascinante. XVII siglos después, Christopher Marlowe le dió una gloriosa continuación a este personaje, con Abigail, en "El Judio de Malta". Aunque Fedria, es un personaje sumiso y abnegado, o al menos, esto es lo que alcanzamos a leer en los cinco actos que se pudieron recuperar de la obra; Abigail es más astuta y zagas es muchos aspectos, pues aunque al inicio jura lealtad absoluta a su padre, en el acto III, se revela contra la voluntad de su padre y traiciona su ambición. Es probable, que en los actos que se perdieron, Freida haya tenido un poco de la Abigail de Marlowe. Freida es el segundo personaje tipo de la comedia, pues aunque se muestra sumisa, y sin interés en la obra, es probable que termine resolviendo parte del conflicto central en la obra.

Otro de los personajes tipo en la obra, es Estrobilo, el esclavo de Licónides, que al igual que Freida, es uno de los personajes cómicos que pone en uno de los puntos álgido el conflicto central de la obra. Al robar la olla de oro de Euclión, Estrobilo pasa a ser el personaje picaresco que hace bromas y hace un aporte ocurrente y divertido a la obra, que aunque no alcanza a desarrollarse por completo en la obra, seguramente es similar a Itámoras de Marlowe, el esclavo de Barrabás. Ahora, lo cómico en Estrobilo, es que su propósito se ve frustrado por su amo Licónides, quien en este caso, viene a ser quien resuelve el conflicto en la obra, al pedir de vuelta la olla de oro de Euclión. Sin embargo, no sabemos a ciencia cierta esto, pues lo que tenemos de la obra se termina en este punto.

CARACTERÍSTICAS CÓMICAS EN LOS ACARNIENSES

La tercera obra de lo que seria la trilogía compuesta por "Los Comensales" y "Los Babilonios". "Los Acarnienses" es una obra cómica que hace alusión a una falsa promesa de paz en medio de las fiestas dionisiacas. Aristófanes quiso ridiculizar en varias maneras a la tierra de Arcanes, y por medio de su personaje

En primer lugar, Aristófanes muestra la próspera tierra de Arcania como una tierra de carbón, y sus prósperos habitantes, como singulares y caricaturescos campesinos. Esto es uno de los recursos que usa Arístofanes para trastocar la realidad, y lo que en el teatro griego se convertiría en la manera que la sociedad tiene de burlarse de si mismos y de hacer una crítica poílico-social por medio del teatro. Además, al igual que en "Las Ranas" el dramaturgo griego caricaturiza a los grandes héroes y semi dioses, llevando a Hércules a la decadencia del Hades. 

En consecuencia con el recurso de trastocar la realidad, Aristófanes se burla abiertamente de Télefo, héroe troyano, que se disfrasa de mendigo y entra en el campamento enemigo tomando como rehén a Orestes. En "Los Acarnienses", nuestro héroe Diceópolis toma un saco de carbón como rehén.

Ahora, nuestro héroe, Diceópolis, un campesino del común, se burla abiertamente de la paz imposible y absurda que se espera alcanzar, resaltando la astucia del campesino. Nuestro héroe cree firmemente que la guerra es absurda y que mientras Atenas y Esparta se desangra, la población rural esta muriendo de hambre y destrucción. Lo cómico en la obra, es pensar que Diceópolis, solo busca la tregua para el y su familia, demostrando que el sentido de patria y nación están perdidos, y son los intereses particulares los que priman en momentos así. De esta manera, es usual, apreciar en las comedias griegas, que son los personajes burdos y del común, quienes crean y resuelven, parte o por completo, el conflicto principal de la obra. Personajes tipo, como Diceópolis, resaltan la sagacidad e inteligencia de la gente del común. Esto se debe, que las comedias griegas son usadas para el amplio y burdo y satírico entretenimiento del pueblo, lo que como consecuencia nos da a pensar que Aristófanes, y no sólo él, le daban gusto al pueblo en sus obras, es decir, escribían lo que el pueblo quería oír y ver, ridiculizando a los altos mandos gubernamentales hasta ponerlos al mismo nivel que el pueblo, o menos.

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Las Traquineas

Autor: Sófocleso
Género: Tragedia
Año: 450 a.C.
País: Grecia
Idioma: Griego
Páginas: 38

Como en la mayoría de las tragedias griegas, los protagonistas, y quienes cargan todo el "agón" trágico, son las mujeres, causa de adoración y símbolo de fuerza y resistencia en la cultura griega

En momentos como este, me siento tan identificado con el héroe griego que esta destruido por causa del amor, los celos, la confusión... es increible como a los grandes hombres de la historia no los destruyen gigantes, sino quienes duermen al lado suyo todas las noches.

En fin, después de tantas películas y nuevas versiones del héroe griego, les recomiendo leer por ustedes mismos, la verdadera historia acerca del nacimiento, la ascención, las batallas y la trágica muerte de Hércules. En este libro, "Las Traquineas" o "Mujeres de Traques", se cuenta la trágica historia que envuelve a una mujer que siente que los años le están pasando, y que está perdiendo a al amor de su vida, por mujeres más jóvenes que ella. Deyanira, la esposa de Hércules, afligida por la ausencia de su esposo, y tras enterarse de que tiene una nueva mujer, una joven prisionera de guerra, decide hacer caso a un viejo consejo del pasado, en el cual, el centauro Nesso, de quien ella fue prisionera, y de la manera que Hércules la rescata y se convierte en su esposa, le dice que en el momento que pierda el amor de Hércules, ella debe empapar una capa roja con la sangre del centauro, esto hará que su amor vuelva perdidamente a sus brazos. Deyanira, en su desesperación, obra conforme al centauro y envuelve la capa empapada con la sangre del centauro y se la da a su esposo por mano de su hijo Hilo. Hércules, al recibir el presente por parte de su hijo, mira fíjamente a la muerte, cuestionándose el por qué tan absurdo de su muerte.
Ahora, Sófocles muestra la ruina de un gran héroe griego por culpa de un problema de faltas, como es usual en varías de las tragedias griegas, por no mencionar a los clásicos y gran parte de los conflictos que envuelve al gran teatro universal. Son los celos y los desamores los que se hacen presentes en esta historia, y si bien, Hércules no es el protagonista, su monólogo final muestra la gran partida de un héroe que marca un gran periodo en la historia griega. Nos muestra a un Hércules que asciende, que pelea, que vence, pero que a la vez es hombre, y por más que sea un semi dios, y tenga divinidad en su sangre, es esa humanidad lo que lo hace caer. Además, muestra que su propósito en la vida se pierde, al verse caído y derrotado inconscientemente por manos de una mujer, y es ésta la razón, lo que lo lleva a encargar a su hijo una difícil tarea.
Dejo en manos del gran Sófocles el monólogo final de Hércules, que nos muestra cómo un hombre que alcanzó la gloria, cae cruelmente por manos de una mujer.

"Yo, que tantos y tan riscados trabajos he soportado sin cesar con mi puños y mis hombros. Y ni la mujer de Zeus, ni el abominable Euristeo me los impuso tales como el que me ha pegado en los hombros esa traidora hija de Eneo, parche tejido por las furias que me está matando.
Pues metido ya en mis costados, me está corroyendo las carnes hasta sus raíces, y clavado en mí, me sorbe el aliento de mis pulmones, me ha bebido ya mi robusta sangre, y todo el  cuerpo lo tengo ya podrido, domeñado por estas inexplicables ataduras. No habían logrado tal, ni las lanzas en lucha campal, ni la tropa de los gigantes, hijos de la Tierra, ni la ferocidad  de las fieras, ni la Grecia, ni los países extranjeros, ni la tierra entera que yo recorrí en mi  campaña purificadora. Una mujer, hembra y nada más que hembra, sola ella ha matado y sin tocar un puñal.
Hijo, muéstrate de verdad hijo mío y no te venza el respeto a tu madre; cógela en tus manos, y pon en las mías a tu madre, y veamos si te duele más este torturado cuerpo que no el de tu madre, cuando lo veas maltratado y destrozado como se merece.
Vamos, hijo, atrévete. Ten compasión de mí, que a tantos se la inspiro; como una chiquilla estoy aquí gimoteando y llorando; ¿qué mortal podrá decir habérmelo visto hacer jamás? Sin jadear siquiera fui despachando todos mis trabajos. ¡Y ahora vengo a parar en mujer infeliz!
Ven ahora acá, ponte junto a tu padre y observa de cerca cómo es la enfermedad que así me tortura. Yo te lo demostraré descubriéndome.
(HÉRCULES va descubriéndose poco a poco y mostrando las llagas.)
Mira, mirad todos (A los espectadores.) a este cuerpo miserable, contemplad a este desdichado y cuán triste es mi suerte.
¡Ay, ay, desventurado, ay, ay! Ya está, ya está abrasándome de nuevo el acceso, ya me ha penetrado en las entrañas, no me va a dejar un punto de reposo esta maldita roedora peste. ¡Oh rey Hades, recíbeme allá! ¡Rayo de Zeus, descarga! ¡Fulmina, dispara, rey, el golpe de tu rayo, padre! Ya está mordiendo otra vez, ya arde, ya estoy en brasas. ¡Oh manos, manos mías! ¡Oh hombros! ¡Oh pecho! ¡Brazos míos queridos! ¿Sois vosotros los que antaño hicisteis trizas a aquel león de la tierra nemea, espanto de boyeros, inaccesible, intratable monstruo? ¿Los que a la hidra Lernea, y a aquella irrefrenable raza de biformes fieras en caballar catadura, insolentes, indómitas, brutalmente feroces, y a la bestia del Enmanto, y a aquel monstruo incoercible, el perro de tres cabezas de las cavernas del infierno, cachorro de la espantosa Equidna, y al dragón guardián de las manzanas de oro en los confines de la tierra? Mil aventuras más acometí en mi vida, y nadie pudo cantar victoria contra estas manos. ¡Y ahora así, descoyuntado, hecho jirones, aquí, destrozado, miserable, me muero por este misterioso enemigo, yo, el hijo afamado de la más noble madre, el renombrado hijo de Zeus, rey del cielo estrellado! Pues entendedlo bien: nada soy, no puedo arrastrarme; pero a la causante de esto yo la tengo que hacer pedazos, aun así como estoy. Que venga no más, y va a pregonar al mundo
entero que lo mismo al morir que en vida sé yo dar su merecido a los malvados. "

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Calígula

Autor: Albert Camus
Género: Teatro / Drama histórico
Año: 1947
País: Francia
Idioma: Francés
Traducción de Aurora Bernárdez. revisada y completada, según la versión definitiva, por Miguel Salabert.
Editorial Losada, Buenos Aires, Argentina 1949
Páginas: 112

Después de ver la película Calígula y quedar, un tanto fascinado, con el modo de vida romano, sus excesos y desvarios, sus altos y sus bajos; decidí leer el libro, que si bien, cuenta otro momento de la vida de Calígula, que por tiempo o por dirección, no se cuenta en la película.

Debo decir que, son los textos de Calígula, y sus intervenciones, llenas de locura y frenecí, en medio de la cordura, lo que me apasiona de la obra. Sin duda, Albert Camus, muestra como un arco iris, a veces en matices de negro, o de violetas o de azures, o en fin, la manera de pensar de una ser humano que solo busca el amor y la saciedad.

Ahora, de un tiempo para acá, me ha surgido una necesidad por consultar e investigar por la vida de este hombre, bueno, y como muchas cosas en este blog, de un artista, es porque este semestre interpreto el papel de Calígula. No puedo expresar la alegría y la dicha interna que siento al descubrir cosas en este personaje. Frases como: "¿Qué es el amor? Nada, poca cosa. Descubrí que vivir es lo contrario de amar" o "Los hombres lloran porque las cosas no son lo que deberían ser" Muestran a un ser vivo, con la necesidad de saciarse de todo lo que hay en el mundo, y a la vez no tener nada, como él mismo lo dice: "De qué me sirve el poder, sino puedo hacer que cambie en orden de las cosas". Pues un hombre que es el dueño de todo el mundo conocido, le falta una cosa, el mal que aqueja a todos los seres humanos... el amor, sí, el amor.

Si bien, Albert Camus, muestra al personaje en su faceta de locura y fenesí máximos por la muerte de su hermana Drusila, el personaje, muestra grandes momentos de lucides en toda la obra. De esta manera, Camus, juega con la lucides en medio de la locura, con los contrastes de impotencia en medio del poder, la debilidad en medio de la fuerza de un imperio, lo efímero y absurdo de la vida, el valor del poder natural y divino, además del desamor en medio de la compañía y la pompa que acompaña al imperio romano.

Y si bien, la obra es retórica en muchos momentos, la acción en cada díalogo y parlamento están presentes en todo momento. Ahora, la obra arranca con mucha fuerza, es decir, se ve entrar a un Calígula en el ocaso de su reinado e imperio, pero aún así no pierde todas las caracteristicas de la realeza y nobleza romana que lo acompañan, la autoridad y el vigor que acompañan sus ordenes y acciones.
La obra arranca, con la fuerza de un Calígula que le "...es necesaria la luna, la muerte o la inmortalidad, algo descabellado quizá, pero que no sea de este mundo". Un hombre, que busca desesperadamente saciar un hondo vacío en su corazón a cualquier manera, y como no puede hacerlo, pone a todo el imperio a cumplir sus más estúpidos y ridículos caprichos. Ahora, si Calígula es un emperador que nombra como primer senador romano a un caballo, y que ordena a todos los ciudadanos testar a nombre del estado, en lugar de sus propios hijos; un hombre que como él mismo dice: "No puedo creer que las ejecuciones ya no me impresiones... Qué insensible me he hecho... Por eso me es tan fácil matar, porque me es muy difícil morir" o su frase célebre: "mátenlo despacio, que se sienta morir poco a poco". Sí, este es el hombre que se convierte en el dueño del mundo en el siglo I d. C,
Sin embargo, como en toda gran obra, el conflicto de este gran personaje, no sólo gira en torno a este gran personaje, sino, que son los "Patricios" cantores romanos, que cumplen la función de un coro griego, hablando y juzgando los procederes del emperador romano, quienes, por conveniencia, buscan su caída del trono. Además, es su esposa Cesonía, la sacerdotiza de osiris,la que en un principio se muestra compungida por el comportamiento de Calígula, muestra un cambio de ánimo abrupto el acto primero hasta el fin de la obra. Uno se puede alcanzar a imaginar, que tubo que haber pasado en esta mujer, para que apoye a su marido en un 100%, pues es ella quien al abanzar la obra, se convierte en portavoz de las crueles ordenes del emperador.
Como en toda tiranía y dictadura, Calígula cuenta con traidores y aliados en medio de su propia mesa, lo más paradógico es que el lo sabe, y prefiere que todo complot se desarrolle frente a sus ojos, no juzga a sus traidores y tampoco alienta a quienes quieren proteger su vida, por lo contrario, espera el momento indicado, como todo gran estratega, para actuar con sagacidad.
No es hasta el momento de la traición. que Calígula empieza a creerse dios, pues como el mismo lo dice: "Ahora puedo demostrarle a los dioses que un hombre, si se lo propone, puede ejercer su estúpido oficio, sin haber pasado por su estúpido aprendizaje". Se cree inmortal, y piensa que nadie podrá apagar la gran luz que él ha encendido en Roma, sin embargo, como la historia nos lo cuenta, el fin es fatídico, pero Camus le da un sabor agridulce a las últimas palabras de Calígula.
Al igual que Julio César, Calígula se cae por momentos, como obra, pues la obra es retórica y reiterativa para finales del acto tres, y se muestra a un filósofo que  habla de su propia existencia, y se pone, levemente, en un segundo plano, el conflicto principal. Sin embargo, las reflexiones que nuestro gran protagonista hace son épicas.
Calígula, al igual que otros grandes personajes de la historia, cobran gran vida por la pluma de los autores, tanto es así, que a mi parecer, Calígula cobra vida propia y se sale de las manos de Camus, como un hombre que piensa, y como si desde el más allá, hubiera vuelto para expresarle al mundo las causas de su ascensión y las desdichas de su caída, es por esto, creo, que Camus, termina la obra de manera abrupta y un poco simple a mi parecer.
Espero, profundamente, que le pueda hacer justicia a este gran personaje, a la hora de llevarlo a las tablas, donde pertenece.

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Calígula

Director: Tino Brass, Bob Guiccione, Giancarlo Lui
Productor: Franco Rossellini, Bob Guiccione
Guión: Gore Vidal
Reparto: Malcom McDowell, Peter O'toole, Helen Mirren, John Guildgude, John Steiner, Teressa Ann savoy, Leopoldo Trieste, Paolo Bonacelli, Guido Manari
Música: Bruno Nicolai
Dirección Artística: Danilo Donari
Género: Erótica
País: Italia / Reino Unido
Idioma: Inglés / Italiano
Duración: 156 min
Año: 1979
Clasificación: R + 18

"De que le sirve al hombre ganar el mundo si pierde su alma" Marcos 8:36

Calígula, la vida de uno de los más temidos emperadores romanos; llevada a la pantalla grande por mano de Tino Brass y por la gloriosa dirección artística del italiano cuatro veces ganador del Oscar Danilo Donati; nos cuenta la ascención al poder del tercer emperador romano.

La película nos muestra a la Roma pagana del siglo IV a.C. y con la Roma pagana, me refiero a la Roma llena de excesos, fiestas, placeres, orgías, banquetes, bailes, vacanales, dionisiacas y perversiones. 

El film resulta ser muy realista e impecable al momento de mostrar las escenas que envuelven a la Roma pagana, es tanto el realismo que se muestra en la película, que su director afirma: "Calígula no es pornográfica, es paganográfica; muestra a la Roma real de Calígula, donde las orgías y las vacanales eran algo normal y cotidiano". Es así como Tino Brass decide llenar la película con escenas reales y sin censura de lo que serían las grandes orgías Romanas. Para el film se contó con la participación de trece chicas Penth House y más de 3000 extras que estuvieran dispuestos a dejarse llevar por sus más bajos instintos.

Calígula, es una película que nos muestra una Roma decadente, que si bien, se convierte en la potencia mundial de aquella época, es una Roma llena de excesos, dónde la sangre y la sed poder y placer lleva a sus governantes a la decadencia absoluta, además de poner en claro la inestabilidad de los altos cargos del imperio Romano. Una de las escenas más claras en la película, es cuando Tiberio le dice a su nieto Caligula: "Estoy criando una víbora. Tú me matarás, así como tus hijos te matarán, y los hijos de tus hijos matarán a sus padres". El film, es bastante político desde este punto de vista. 

A mi parecer, Calígula es un film bien logrado, pues cuenta con las razones fundamentales para empezar a realizar un film, es decir, a lo largo de la película, se muestra el por qué de Caligula, su ascención, su locura, sus excesos, su govierno, y finalmente su traición.

Es impactante ver el amor que Caligula sentía por su hermana Drusila, al punto en que su único anhelo era casarse con ella, lastimosamente, no es posible para el emperador romano, y es esta idea la que retumba en su cabeza y la que posteriormente lo lleva a la locura. Algo que hay que resaltar en el film, es ver lo bien encaminada que está la historia, pues constantemente se busca y se muestra la razón por la cual Calígula enloquece, y con enloquecer, me refiero a prostituir a las esposas de los senadores romanos, hacer pelear desnudos a sus soldados contra barcos imaginarios y ejecutar a cualquiera que no complaciera sus afectos; la razón de todo esto es Drusila, su bella y hermosa hermana, que como una Lady Macbeth, le dice a su hermano que hacer y que no, hasta el punto de escogerle esposa, o como ella misma dice: "Elige entre las sacerdotisas de Osiris esposa, ya que no puedes casarte con tu hermana". Pero no es solo esto, lo que lleva a Caligula a su decadencia. Su locura estalla al ver a su hermana muerta por razones extrañas, es en este punto, que Calígula deja de ser hombre, y ser el amo del mundo conocido pierde sentido, ya que es su hermana quien le daba las razones para gobernar.

Ahora, los tópicos de la película son muchos, y a la vez uno solo, es decir, Roma y Calígula como protagonista, la historia, la política y el drama de un emperador como contraste; pero son las fuertes escenas eróticas que rayan en lo pornográfico, debido a su contenido y realidad, lo que hace que el espectador recuerde esta película. Es el alto conteniddo sexual, el que hacer ver a Calígula y Roma, como el imperio desmedido en placeres.

Pero en este punto, ¿Qué es lo que hace ver esta película como una joya del séptimo arte, y no una vulgar película porno? La dirección artística, el montaje y la fotografía, es decir, si bien al rededor de todo el film se pueden apreciar escenas de sexo casuales en cualquier momento y lugar, es la bien lograda dirección artística lo que lo hace ver sensual y no vulgar, es decir, un deseo lascivo y pagano se prende en el espectador una vez empieza a ver el film, pues en él se ven representadas todas los bajos y reprimidos deseos del ser humano, y cómo éste no puede llevarlos a su fin.

Sin embargo, no sólo son sus explíctas escenas y la bien lograda relación entreCalígula y Drusila las que hacen fascinantes al film, sino su impecable ficha técnica, pues tiene como protagonistas a los gigantes del arte dramático en escena, como lo son John Guildgude como Nerva, Peter O'toole como el sifilítico Tiberio, Malcom McDowell, protagonista de La Naranja Mecánica, y ahora como Calígula, y a la reconocida actriz inglesa Helen Mirren como la prostituta Cisarea.

Calificación: 3,5/5

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RECOMENDADOS

TOP 10 DE DIARIO DE UN ARTISTA

Es el primer listado de películas que saco, ya sea por su trama, su dirección, sus actores, y sobretodo, por el impacto que tuvieron en este joven artista. 

1. Sin Límites

2. El Origen

3. Psicósis

4. Paprica

5. Un Tranvía Llamado Deseo

6. Tiempos Modernos

7. El Laberinto del Fauno

8. Cabaret

9. El Ciudadano Kane

10. El Cisne Negro

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Dallas Buyers Club

Director: Jean Marc Valleé
Productor: Robbie Brenner y Rachel Winter
Guión: Craig Borten y Melissa Wallack
Reparto: Mattew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner, Denis O´Hare
Género: Drama
Duración: 116 min.
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Estreno: 7 de Septiembre de 2013

"Dallas Buyers Club" la película que causó sensación por las transformaciones de Mattew McConaughey y Jared Leto, y no sólo hablamos de una transformación física y corporal, sino también de una transformación de energía. Si bien la película ha representado un reto para los actores y la producción, lo que se puede apreciar en el film va mucho más allá de lo que nos podamos imaginar.

La película tiene como tema central los medicamentos para controlar el SIDA y hacer la vida de los pacientes más llevadera; de esta manera, nos transporta a la Texas de 1985, donde el SIDA y las enfermedades de transmisión sexual aún eran consideradas como un mito para las personas, considerándola "La enfermedad de los homosexuales" y "El castigo de Dios". Es así como nuestro protagonista Ron Woodrof (Mattew McConaughey), un hombre vigoroso, bonachón y con muchos pantalones, contrae la enfermedad por tener sexo casual sin protección. El personaje se re usa a creer que tiene SIDA y empieza a llevar una vida más desenfrenada a la que antes vivía, es así, como desesperado por salvar su vida empieza a tener contacto con los medicamentos que pueden ayudarle a controlar la enfermedad. Y es así como este peculiar baquero del sur de Texas, empieza  a involucrarse en el negocio de la venta ilegal de medicamentos para controlar el SIDA. Es aquí, dónde conoce a  Rayon (Jared Letto) un travestí, que se hace socio de Ron y lo ayuda a expandir el  "Club de Compradores".

Debo decir que "Dallas Buyer Club" me lleva a un pasaje de la obra de teatro "El Confesionario", escrita por Tennesse Williams, en la cual, el personaje homosexual dice: "El acto homosexual tiene cierta brusquedad mortífera". Es así como esta película nos muestra cada una de estas palabras, y, si bien el film no tiene una temática homosexual, muestra el frío mundo de una comunidad herida por la enfermedad del SIDA, dónde el tiempo es la única esperanza para lograr subsistir. 

Ahora, los personajes de McConaughey y Leto, caracterizan de manera eficaz este mundo herido por el SIDA, y la dicotomia que hay entre las dos caras de la moneda, ya que Rayon es un travesti y Ron es un macho baquero homófobo de armas tomar; por lo cual, lo interesante en la película es ver esta dicotomia, esta unión dispareja y de polos opuestos, donde sin más ni más empieza a surgir una verdadera amistad.
A mi criterio, la película no es "espectacular", ni conmovedora, ni nada que se le relacione, es más, pensaría que son las interpretaciones de los actores los que hacen la película, además, aunque la historia contada es de la vida real, el film no provoca al espectador.
Finalmente, debo decir que el film me pone  pensar acerca de lo que ocurre en el mundo homosexual, donde las pasiones bajas y los sentimientos reprimidos dominan a esta comunidad, y como ya lo mencioné en un principio, si bien éste no es el tema central, los padecimientos y sufrimientos que aquejan a esta población si lo es.

Calificación: 3,5/5

DATOS CURIOSOS

• La película ganó dos premios de la academia en la pasada entrega de este año. Mejor actor protagónico para Mattew McConaughey y Mejor actor de reparto para Jared Leto.
• Mattew McConaughey perdió 23 kg. para interpretar a Ron, y Jared Leto 14 kg. ¡Todo un sacrificio para llegar al personaje!
• El guionista Robbie Barnner entrevistó al verdadero Ron Woodcroof dos semanas antes de morir en 1992.
• Se pensaron para interpretar el papel de Ron a actores como Brat Pitt y Ryan Gosling. 
• Los rodajes fueron hechos en New Orleans y Loussiana a mediados de 2012.

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Cartas de un enamorado

No me destruyas, que aun te amo. Estas últimas noches he pensado mucho acerca de lo que hablamos. Si nos equivocamos o no, es cosa nuestra y de nadie más, es cosa del pasado. Estoy seguro de que no nos equivocamos, hicimos lo que teníamos que hacer, dijimos lo que teníamos que decir... somos lo que tenemos que ser.

No me destruyas, que aun es difícil acostumbrarme a que ya no estas más aquí, conmigo.

Si me preguntaran cual es el mejor recuerdo que tengo en la vida, diría: Aquella noche que viajamos y vimos las estrellas, te hice ver estrellas, estaba oscuro, pero la luz de tus ojos era suficiente para mi, estabas en mi regazo, te abracé la espalda y podía escuchar el palpitar de tu corazón. Nunca había sentido lo que sentí.

Siento que el tiempo pasa, y la distancia matan lo que algún día fue amor. No sé que es lo que va a pasar con nosotros, es decir, aprendimos a amar, a llorar, a sufrir, a vivir, a sentir... pero sobre todo a amar. 

Días como hoy me doy cuenta que el corazón nunca olvida, que la piel y la carne recuerdan, que la mente desvaría y que los ojos no dejan de llorar. Días como hoy daría lo que fuera para que volvieras a mis brazos y volviéramos a hacer el amor como aquella noche, bajo la luna, bajo las estrellas. Días como hoy pienso que todas los males y las enfermedades del mundo pueden curarse si  se hace el amor bajo las estrellas; que el temor, el odio, el rencor, la muerte y el amor tienen cura. No hay nada que no podamos vencer.

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Hamlet

Autor: William Shalespeare
Género: Tragedia
Año: 1603
País: Inglaterra
Idioma: Inglés
Traducción de Luis Astrana Marín
Cangrejo Editores. Clásicos de Colección. Bogotá Colombia. 1era Edición, Marzo de 2005. 2da Edición, Febrero de 2006.
Páginas: 193
ISBN: 958-97-4803-1

...Ser o no ser, esa es la cuestión: qué es más digno para el alma, soportar las flechas y pedradas de la áspera fortuna o armarse contra un mar de adversidades y darles fin con atrevida resistencia. Morir: Es dormir, nada más. Y si durmiendo terminaran las angustias y los mil ataques naturales herencia de la débil naturaleza, seria una conclusión seriamente deseable. Morir es dormir: dormir, tal vez soñar... Tomado del monólogo de Hamlet.

Hay muchas cosas que anhelo contar en esta reseña, pues a diferencia de las otras 100 entradas que tengo en este blog, ésta tiene algo particular, algo que la distingue de las demás. ¿Quieren saber qué? Pues bien, este semestre, Hamlet es la obra de montaje, y bueno... Yo soy Hamlet, es decir, interpretaré "El papel" de la obra magistral de la literatura universal; así que todo lo que leerán a continuación, bien o mal escrito, está basado en la experiencia de un actor en formación que se metamorfoseó y está descubriendo y descubrirá la vida de un joven príncipe, el cual, por amor a su padre, y la sed de justicia lo convierten en... es ambiguo y anormal intentar encasillar a Hamlet en una palabra, por lo cual, la palabra que el lector desee llenar en los puntos suspensivos está bien.

Para empezar, hay muchas versiones acerca del origen de la obra literaria.Se dice que Hamlet está basada en "La Tragedia Española", la obra maestra de Thomas Kyd, dramaturgo y literato contemporáneo de Shakespeare, publicada en 1592, la cual llegó a convertirse en el "Hit" del momento en el Teatro Isabelino, es más, para la época, "La Tragedia Española" era más famosa  y reconocida que Hamlet. Pero este no es el único origen sobre la obra, se dice que Shakespeare leyó una selección de escritos de Saxo Grammaticus, cronista danés, quien escribió La Historia Danesa, escrita en el siglo XIII, en donde se cuenta la usurpación del trono de Dinamarca por parte del hermano del monarca, y nos cuenta como el hijo de dicho monarca venga la muerte de su padre; además, el cuentista francés Belleforest, en su libro Histories Tragiques en el quinto volumen de 1570, nos cuenta la historia del príncipe Amleth, hijo de Horwendil y Gerutha, que tras la muerte de su padre Horwendil por parte de su tío Fengon, decide tomar venganza y hacer justicia por su propia mano. Una obra bastante similar con respecto a la trama de Hamlet, es claro que Shakespeare se basó en varias de estas historias para escribir su Hamlet. 
Para el momento que Shakespeare empieza a escribir la obra, contaba con menos de 25 años, y había llegado hace poco tiempo a la ciudad de Londres para ponerse en medio de la escena del Teatro Isabelino. La obra empieza a ser escrita entre 1587 y 1589, una primera versión, a la que llamamos Ur-Hamlet, una versión simple en cuando al usos del lenguaje y la construcción de los personajes. Sin embargo, para 1590, se dice que Christopher Marlowe y Thomas Kyd, contemporáneos de la época de Shakespeare, ayudaron a escribir la obra. Ahora, para 1600, la obra estaba ya casi terminada, contaba con 3650 versos; y luego, para 1603 tenemos un producto terminado, una obra que contaba con 230 versos adicionales, que es el Hamlet que nosotros conocemos hoy en día. Es así, como Hamlet se convierte en la "Monalisa" de la literatura universal, y nos muestra a un Shakespeare en la cúspide de su carrera.
De esta manera, Hamlet se convierte en una tragedia de venganza tejida con actos de violencia, es decir, para nuestro protagonista, la venganza es la justicia salvaje. En Hamlet, el personaje, hay una necesidad latente de hacer justicia por su propia mano, donde esta necesidad sobrepasa la ley humana y la justicia divina. Es así como Hamlet se hace dueño de su destino, toma el control de lo que ocurre a su alrededor y obra como mejor le parece a las circunstancias que se enfrenta.

Ahora, para iniciar en análisis de una obra tan completa como esta, hay que empezar desde el principio, hablar de los quiebres que tiene la obra o momentos de impacto, que hacen que se desarrolle la acción dramática en medio de la obra. Para comenzar, hay que hablar del fantasma, la sombra del rey Hamlet, que a mi concepto es algo netamente teatral, es ambiguo, pero cada persona tiene su perspectiva. Con respecto a la "sombra", si es una sombra como tal, ¿por qué los guardias lo describen vestido y con un semblante que refleja su inquietud y su falta de descanso? Muchos estudiosos dicen, que la sombra es producto de la imaginación de Hamlet, y que toda la conversación que hay entre él y la sombra es un producto de su mente retorcida. Es probable, ¿Por qué no? Sin embargo,  Lo  grandioso de Shakespeare es la puerta abierta para muchas cosas, Hamlet tiene un sin número de interpretaciones y análisis. Si se observa la obra desde una perspectiva un poco más sicológica, el lector puede entrar en muchas controversias, y no se puede dar una sola interpretación, y  es complicado entrar a juicios de valor, pues en muchas ocasiones, o en la mayoría, debemos basarnos en el texto, la obra que Shakespeare escribió.

Es así como en consecuencia del análisis de la obra, uno podría decir que no se encuentra a un Hamlet en la vida real, en ninguna época, Hamlet es una invención artística y se basa en un proceso de creación. Es complicado intentar encasillar a Hamlet, porque es encasillar a un ser humano, además intentar definirlo es algo absurdo, pues si un ser humano promedio es un universo, alguien como Hamlet… dejémoslo de ese tamaño. Es verdad que Hamlet encarna a la humanidad y la disyuntiva entre razón y acción que cada hombre vive, pero aún así, no existe nadie en el mundo que se exprese como él y diga lo que dice, y aunque Hamlet se haya salido de las manos de Shakespeare para tomar vida propia, el personaje, sigue siendo el producto de la mente del autor.

Es común, que como lectores primarios entremos en especulaciones con respecto a muchas cosas que ocurren al interior de la obra, sin embargo, reitero, debemos basarnos en el texto. Especular acerca de lo que hizo o no hizo Hamlet, de lo que es y no es; es algo que nunca se sabrá con exactitud, pues en los miles de análisis que se puede encontrar en libros e internet, por muchos escritores, estudiosos y actores; hay mucha especulación y mierda, es decir, Hamlet es ficticio, debemos partir de eso, lo que hizo antes de la obra… es algo que sólo nos muestra el texto, lo demás… son meras especulaciones.

Hamlet es de los primeros personajes modernos, pues desnuda el alma humana, y no pretende ser un héroe, o un salvador, como en muchos de los personajes de la época. 

Análisis histórico

Para el momento en que se escribe la obra, gobernaba sobre Inglaterra Isabel I, de la dinastia Tudor, Inglaterra se encuentra en un momento estable de la historia, y "La reina de los mares" pone a su nación como una de las potencias mundiales en el mundo conocido. La obra se muestra como un reflejo de la realidad política de Inglaterra, pues muestra lo que la incertidumbre e inseguridad que sufriría Inglaterra cuando Isabel I deje el trono, ya que, al no tener herederos ni descendencia, hay muchos que podrían aplicar al trono. Además, junto con La Tragedia Española la escena teatral inglesa está interesada en mostrar los intereses políticos de la corona, lo que ocurriría, si se decide tomar el poder por la fuerza, si se traiciona la divinidad de la realeza y se provoca a los cielos a ira, pues traicionar la corona es como traicionar a Dios.
La obra funciona perfectamente como acto pedagógico y moral, pues si bien, Dinamarca no progresa como nación, y la familia real tambalea en el trono, y lo que es peor aún, una nación extranjera (Noruega) termina obteniendo el reino; todo ¿Por qué? Por la ambición, por la traición y tentar a los cielos a justicia. Esto podría sucederle a Inglaterra si obra como se hace en Dinamarca, una nación que para los ingleses hacia parte de la Europa rústica y salvaje. Como conclusión, si este es el castigo que viene por parte de los cielos a los bárbaros por traición, ¿Cuánto más será castigada la nación que sirve fielmente al Dios vivo?

Análisis religioso de la obra

Aunque la Inglaterra de aquella época era protestante, y el cause religioso que toma la nación es por momentos incierto, es claro observar como hay fuertes influencias católicas en la obra, seguramente por parte del autor, pues aunque Inglaterra era protestante, Stanford tenia rezagos del catolicismo, con el cual Shakespeare había crecido, además, es confirmado que su padre sí fue católico, y Shakespeare recibió los primeros cursos de su educación, por parte de monjes italianos.
En primera instancia, se muestra a una Dinamarca netamente católica, por los ritos en los cuales se mencionan al interior de la obra. El primero de ellos es la aparición de un ánima en pena, la sombra del rey Hamlet, que vaga sin descanso en el purgatorio para curar sus pecados; junto a estos ritos funerarios, cuando el rey Claudio es descubierto por Hamlet, pide perdón a Dios como figura confesatoria, otra tradición católica para poner en paz el alama, y es esta la razón por la cual Hamlet no mata a su tío inmediatamente. Añadido a esto, los ritos funerarios y la presencia de un sacerdote católico en el sepelio de Ofelia. Conclusión: La Dinamarca que Shakespeare nos muestra en su obra es católica; sin embargo, las creencias religiosas de nuestros protagonistas son otras.
Hamlet estudió en Wittenberg, la ciudad Alemana epicentro de la reforma cristiana protestante, estudió en la universidad en la cual Martín Lutero dictaba clases de filosofía para la época, algunos estudiosos y especuladores hablan de que Martín Lutero pudo ser maestro de Hamlet, todo en manera figurativa, claro está, pues Hamlet, como ya lo mencionamos, es un personaje de ficción.
Shakespeare muestra la pérdida de la fe en Dios y los poderes celestiales en esta obra, muestra a Hamlet como figura nostálgica, mostrando que el catolicismo es de los bárbaros y que el protestantismo es de los estudiosos. Constantemente se aprecia el sentimiento de nostalgia que tiene Hamlet con respecto a la fe.

Ser o no ser

En el acto III, escena I; se toca el monólogo que ha cautivado generaciones, desde el momento en el cual fue escrito. El ser o no ser, el monólogo que define a la obra, tanto en sus temas como en su linea dramática, en el cuál, Hamlet se descubre así mismo como persona, toca sus limites y se deja llena por impulsos y acciones que cavilan en sus pensamientos, pero que pasan a la acción.
A partir de este monólogo, se puede ver a un Hamlet decidido a todo, a ganar, a perder, pero se ve un Hamlet excitado, ansioso, con mil sentimientos y emociones dentro, que se cocinan por dentro y surgen con las primeras personas que se encuentra.
Es verdad que Hamlet no busca tomar el control de su futuro, ni pretende saber que ocurrirá  con su vida, pues la total incertidumbre es la que embarga al joven príncipe, sin embargo, hay impulsos salvajes y acciones toscas que comete después de este gran razonamiento.
El ser o el no ser, el vivir o el no vivir, el existir o el no existir. La contraposición de uno mismo contra uno mismo, para mi caso personal, pongo este ser o no ser, como un amar o no amar. Para interpretar este monólogo, mi director me aconsejo que buscara la palabra exacta que definiera mi ser y la remplazara por la del ser, es claro que la palabra para mí, es el amar más que como sentimiento, lo hago como acción. Por lo cual, cada persona debe encontrar que lo define como el ser, cual es el motivo de vivir y existir en este mundo.
Es esta la dualidad más grande que el mismo ser enfrenta consigo mismo, la de saber cuál es el propósito de su vida en este mundo. Hamlet empieza razonando al pensar: ¿Qué es mejor, aguantar los golpes de la vida o enfrentarlos? La respuesta es: ni lo uno ni lo otro, sino todo lo contrario. La respuesta es Morir, y compara la muerte con un sueño, y que con este sueño todos los problemas de la existencia se solucionarían, pues ya no habría existencia. ¡Fácil!
Hamlet hace una lista clara sobre las cosas que no tolera en este mundo, siendo siete los temas que se tocan en la obra: Los ultrajes del tiempo, la injuria del opresor, la afrenta del soberbio, las tristezas de un amor no correspondido, la demora de la justicia, las insolencias del poder, y las vejaciones que se reciben por parte del hombre indigno. Es claro que Hamlet busca el suicidio como salida a sus problemas, y a quienes causan sus problemas, pues cada frase que mensiona en su monólogo viene acompañada con un sujeto, en este caso su tío Claudio, y la traición de Ofelia. En Claudio y Ofelia, se ven representados todos los problemas de la humanidad y las injusticias de la vida.
Finalmente, Hamlet, aunque es consiente de que el suicidio es la salida, se da cuenta que hay un temor, un temor por lo desconocido que lo desarma y lo hace un completo cobarde. Este temor, dado por el pensamiento y el razonamiento que hace de todos los hombres unos cobardes. Como conclusión al monologo, Hamlet se de cuenta de que es el pensamiento el que mata a la acción, ergolis, hay que dejarse llevar, sin pensar tanto ni juzgarse a uno mismo por los actos cometidos; pues a partir de este momento, Hamlet, simplemente se deja llevar por lo que siente y no mide las consecuecias, ni de sus actos ni de sus palabras.
Frederic Nietzche habla de Hamlet, como la obra dionisiaca de los impulsos, donde el juego y la voluntad del hombre prima sobre todo acto de moral y reprensión social. Hamlet es el claro ejemplo que el ser humano sí puede hacer lo que se le dé la gana, con consecuencias, claro está, pero finalmente, sí puede, es por esta la razón por la cual Shakespeare lo compara con Yorick, el bufón con el cual el joven príncipe jugaba cuando era niño. A partir de este razonamiento consigo mismo, Hamlet no se cohibe en nada y hace y dice como se le venga en gana. Desde este punto, podemos ver a un Hamlet que está en continuo movimiento y transformación, lo que lo convierte en una persona meramente teatral, que hace uso de la comedia y el juego para dar firmes punzadas puntiagudas de los oscuros deseos que siente dentro de su alma.
Hamlet, es un personaje que sorprende, al interior de toda la obra y fuera de escena, pues sus movimientos y acciones no son para nada predeterminadas. Como lector y espectador es fascinante ver al personaje en acción, que se sorprende así mismo, pues aprende a conocerse al interior de la obra, y sorprende a la audiencia, por su naturalidad y sencillez humana. En Hamlet no se ven mayores ambiciones que no sean la justicia y el honor; su preocupación no se encuentra en ocupar el trono de Dinamarca, ni defender la estabilidad política del reino, ni siquiera contribuir con la familia real, es esto lo que enamora a la audiencia, un personaje que obra por el mero placer de ir en búsqueda de la verdad y el honor, y aunque en este punto, suene bastante romántica la descripción de Hamlet, el público también se da cuenta de que es un ser humano, que en esa busqueda pasa a ser ese verdugo al que tanto desea ajusticiar. Hamlet pasa a ser como Claudio en el momento que decide matar sin remordimientos a todos aquellos que se oponen en su camino. Es esta dualidad la que sorprende y fascina a la audiencia, la disyuntiva entre héroe y villano.
Hamlet es comparado con el David bíblico, que tampoco se cohibió en sus actos de lujuria y asesinato, y aún así, el mismo Jesucristo reconoció que tuvo un corazón perfecto delante de Dios; también es comparado con Job, otro personaje bíblico, que al igual que Hamlet se hace varias preguntas retóricas acerca de la vida y el devenir de la fortuna. Sin embargo, es Hamlet, el que ejemplifica los deseos del ser humano reprimidos y las consecuencias cuando estos sentimientos surgen.

¿Qué ocurre con Shakespeare después de Hamlet?

Shakespeare escribe 16 obras después de Hamlet, entre ellas, las tres grandes tragedias Otelo, El Rey Lear y Macbeth; que lo catapultarian a la fama de los tablados londinenses y la inmortalidad siglos despues. La obra que escribe inmediatamente después de Hamlet es Noche de Reyes donde el personaje de Feste pasa a ser el heredero de Hamlet, así como Hamlet se convirtió en el sucesor de Sir Jhon Falstaff. Para este momento, Shakespeare ya tiene una carrera y un nombre construido en la escena teatral inglesa, y toda una carrera que lo definirian como el autor de hoy y siemrpe.

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