Mama

Título en español: Mamá
Director: Andres Muschietti
Productor: J. Miles Dale, Barbara Muschietti, Guillermo del Toro.
Guión: Neil Cross, Andres Muschietti y Barbara Muschietti
Reparto: Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier, Isabelle Nélisse, Daniel Kash.
País: Canadá / España
Idioma: Inglés
Género: Terror
Clasificación: R + 14
Duración: 100 min.
Estreno: 18 de enero de 2013
Presupuesto: U$D15.000.000
Distribución: Universal Pictures

Divertida de mirar. Tiene sus momentos de susto, pero sigue siendo divertida de mirar, tiene leves toques de terror, y aun así sigue siendo divertida de mirar. "Mama" juega con las emociones y sensaciones del espectador, pasando de la risa, al susto,a la ansiedad, al miedo, de vuelta a la risa, asciende al terror y luego cae en lo normal de toda película de horror

Al tener el nombre de Guillermo del Toro en los créditos y la producción, el espectador tiene muchas expectativas, expectativas que se van desvaneciendo conforme avanza la película.

El film cuenta la historia de dos dulces e inocentes niñas, que tras el asesinato de sus madre por parte de su padre, se dirigen a un viaje por carretera; el auto pierde su curso y se estrella en unos arboles quedando en medio del bosque. Es ahí donde su padre encuentra una tétrica cabaña en donde pone a sus hijas para matarlas, una sombra misteriosa impide el asesinato de las niñas. Cinco años después las niñas son encontradas en aquella cabaña en un estado escalofriante y con una nueva acompañante.

El film tiene varios toques simbolistas y muchas trampas en medio de la trama que deja muchas puertas abiertas y cosas inconclusas. Esto solo puede significar una cosa: Seguramente habrá una segunda parte. 

Al ver "Mama" evoca un cierto parecido a una leyenda latinoamericana llamada "La Llorona" que nos cuenta la vida de una mujer que pierde su hijo y que pasa toda su vida como ánima en pena buscándolo. Si bien el film es basado en el cortometraje del mismo nombre del cineasta argentino Andrés Muschietti,  la historia puede ser basada en la leyenda. De igual manera la historia inicia con un: "Había una vez..." muy a lo cuento de hadas.

El simbolismo que maneja la película con las mariposas negras que anuncian la muerte y la llegada de Mamá, el moho en las paredes que representan un mal presagio, ademas de las ramas y los lobos que representan lo campestre y lo salvaje que compone a nuestro ficticio personaje principal. Es interesante que todos estos símbolos son representados en el comienzo de la película por tiernos y escalofriantes dibujos que hacen las niñas en las paredes, ademas de contar lo que pasó con ellas en los 5 años que estuvieron perdidas y enclaustradas en la tétrica cabaña que se convirtió en su hogar.

Los pocos toques horrorificos que tiene el film son puestos por una inusual canción de cuna que cantan las niñas, la aparición de Mamá, que es una mezcla de fantasma alíen con la mejor animación de  títere gótico de Tim Burton y pequeñas pizcas de una llorona del bosque; al igual que el comportamiento paranormal y salvaje que tienen las niñas después de haber sido criadas por un fantasmagórico espectro muy al estilo de "El Exorcista".

Con todo este material, podemos decir que si quieres hacer una película de terror debes poner: Una niña atormentada por cualquier fuerza paranormal, algunos muertos, luces que se prenden y se apagan, apariciones tétricas que solo el protagonista puede ver, y no olvidemos el armario que contiene algo espeluznante. El orden de los factores no altera el resultado. Conclusión: El público actual ya no es un público fácil de impresionar y asustar.

DATOS CURIOSOS

• "Mama" es basada en el cortometraje del 2008 del cineasta Andrés Muschieti; el cual logro capturar la atención de Guillermo del Toro para hacer un largometraje basada en esa historia.
• El estreno estaba previsto para octubre de 2012, pero después fue pospuesto para enero de 2013.
• La película estuvo en el número 1 en su fin de semana de lanzamiento, superando a: "Objetivo Bin Laden" y "Los Juegos del Destino"

Calificación: 2.7 / 5

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Django. Sin Cadenas

Título original: DJANGO. UNCHAINED
Director: Quentin Tarantino
Productor: ReginaldHudlin, Stacy Sher y Pilar Savone
Guión: Quentin Tarantino
Reparto: Jamie Foxx [twitter], Christopher Waltz, Leonardo Dicaprio [twitter], Samuel L. Jackson [twitter], Kerry Washintong [twitter].
Género: Western / Drama
Banda Sonora: Elayna Boynton
Fotografía: Robert Richarson
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés / Alemán
Duración: 165 min.
Clasificación: R + 17
Estreno: 25 de Diciembre de 2012
Presupuesto: $100.000.000
Distribución: The Weistein Company (USA) y Columbia Pictures (Internacional)

Un gran film con el estilo inconfundible de Tarantino. Sangre, sangriento y sanguinario. La mejor manera de definir el gore de Tarantino. Peleas y balaceras de 100 contra 1, tripas y sangre en cada muerte divertidamente estilizada,  peleas de mandingos (negros) y un excepcional humor negro. Esto es Django sin cadenas. Un esclavo en busca de su amor, venganza y libertad.

Es 1858 un poco antes de que inicie la guerra civil Norteamericana en cualquier lugar de Texas. Es aquí donde un grupo de esclavos es transportado por los hermanos Speack, y sin saberlo se encuentran con un irreverente dentista y caza recompensas alemán: El Dr. Schultz. Éste libera a Django y lo hace socio de su oportunista negocio de caza recompensas, ya que Django conoce a tres bandidos que el Dr. Schultz esta buscando. Después de la curiosa sociedad que el Dr. Schultz y Django forman, se encaminan en la difícil tarea de encontrar al amor y esposa de Django: la escalva Broomhilda.

Al igual que LINCOLN. Django es un western que aborda varios temas del oscuro pasado Norteamericano como lo es la esclavitud. El mismo título de la película: "Django. Sin Cadenas" evoca un fuerte sentimiento de liberación, venganza y odio; ya que Django es como una fiera salvaje que una vez liberada esta dispuesta a acabar con todo lo que se encuentre a su paso, y como el mismo Django lo expresa: "¿ganar dinero por matar blancos? no hay mejor sueño para un negro"

Este film muestra parte de la cruda y visceral realidad a la que fueron sometidos los esclavos negros en Norteamérica, ademas de los tratos inhumanos y las crueles torturas a los cuales eran sometidos. El mismo Tarantino afirma que su intención era hacer un film que toque el oscuro pasado esclavista del cual Norteamérica se avergüenza y poco le gusta hablar [1]. Aunque la película hace énfasis al maltrato del esclavo, también hace una fuerte burla al hombre blanco; que se ve cuando aparece el Ku Kux Klan en liderazgo de Jonah Hill (¡Qué escena más graciosa!)

El ir a ver Django a las salas de cine es una buena experiencia, pues la respuesta, los gestos, las carcajadas, el morbo, el asombro y admiración por parte de los asistentes es muy buena. Las 2 horas y 45 minutos realmente valen la pena, Tarantino sabe entretener y captar de una manera inusual toda la atención del público. El film aunque ha sido bien aceptado por la critica especializada, ha generado una fuerte controversia (no se puede tener contento a todo el mundo). Para muchos el film es demasiado violento, exagerado, el uso del lenguaje contractual y peyorativo hacia los negros ("nigger"; "negro") no hace más que generar más racismo del que hay, para otros el film incentiva a una lucha de razas; pues lo que enseña es: el hombre blanco es malo y hay que aniquilarlo. El cineasta Spike Lee afirmó en una entrevista para la revista Vibe: "Lo único que voy a decir es que es una falta de respeto a mis antepasados."[2] Aparte de la controversia que la película ha generado, puedo decir en opinión personal que el film exagera y hay momentos en los cuales se cae, es decir, hay un punto en el cual debe finalizar; pues después de ahí la película se hace retorica, simbolista y grandilocuente.

Cosas que se deben elogiar de Django, aparte de la dirección y las actuaciones graciosas e impecables de Christopher Waltz (Dr. Schultz) y Leonardo DiCaprio (Calvin Candie), es su genial banda sonora y edición de sonido que te transporta al salvaje oeste, su divertidísimo guión que no te hace parar de reír y su especial fotografía que generan ciertas sensaciones en el espectador (nomiadas a los Premios de la Academia en cada una de las anteriores categorías).

Calificación: (4.2/5)

DATOS CURIOSOS

• Para el papel de Django se pensó en Will Smith y Michael K. Williams, pero Jamie Foxx fue quien se quedo finalmente con el papel.
• Django es basado en el spaghetti wester de Sergio Corbucci de 1966 con el mismo nombre. Pero el wetern de Tarantino no es un remake de Corbucci.
• Sin Cadenas es por el film de 1959: Hercules Sin Cadenas.
• Django tiene 5 nominaciones al Oscar, Globo de Oro y BAFTA.  De los cuales ganó 2 Globos de Oro, 2 BAFTA y 2 Oscar en las mismas categorias: Mejor guión para Tarantino y Mejor actor de reparto para Waltz.

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La Sonrisa de la Gioconda

Título original: The Giocconda Smile
Traducción: María Luisa Buen Día
Autor: Aldous Huxley
Género: Teatro Policiaco
Año: 1938
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Páginas: 185
Luis de Caralt Editor S.A. - ESA
ISBN: 84-217-4196-9

HUTTON: ¿De qué vale querer? Has nacido. Y si se viene el mundo el mundo encima hay que estar preparado para irse otra vez. Acto 3. Escena 4. Página 179

"La sonrisa de la Giocconda" es una obra de teatro policíaco. Simple de leer, interesante en diálogos para analizar, un poco obvia en cuanto a trama y con algunos personajes bastante pretenciosos y muy intelectuales al estilo de Huxley.
La obra comienza con claras descripciones del espacio en el que se desarrolla la obra. Una sala inglesa de una familia muy prestante, con obras de pintores franceses como Matisse, Bracque, Léger, Modigliani (¡Qué gente tan fifi, encopetada y hasta más!). De antemano, es visible que la obra toma una atmósfera suntuosa y de personajes muy acaudalados.
Un intelectual llamado Hutton; su enferma esposa Emilia. Juanita Spence, pretenciosa amiga de la familia; su pasivo y minusválido padre. Una enfermera que sabe más de lo que aparenta. Un médico razonable, justo y sensato. Y Doris, una joven mujer amante de Hutton. Una equilibrada mezcla de personajes entrelazados entre sí que desde que inicia la obra cuentan una gran historia pasada de por medio.
El conflicto de la obra surge con la "natural muerte" de la esposa de Hutton, en una noche común y corriente, donde nada extraordinario ocurre, por lo cual, TODO EL MUNDO TIENE UNA CUARTADA. Desde el inicio de la obra el lector tiene una leve sospecha de algunos personajes. A medida que la obra avanza el lector puede sospechar de cualquiera, pero a mitad del libro es claro quien es el culpable. Huxley pone en un interesante juego a sus personajes para resolver el crimen y descubrir quién es el asesino, cómo lo hizo, cuándo, y los más importante: ¿POR QUÉ?. ¿Intereses de por medio? ¿triangulo amoroso? ¿suicidio premeditado?
Las expectativas de la obra son altas en un principio, pues en un inicio es como sí Huxley deseara que el lector juegue un poco de "Clue" mental para descubrir quien es el culpable, pero estas expectativas  caen fácilmente a mitad de la obra cuando el lector descubre quien y cómo se cometió el crimen. lo interesante es descubrir el por qué.
Lo verdaderamente delicioso en la obra son las claras directrices del autor sobre la puesta en escena.  Son los diálogos de los personajes y algunas frases filosóficamente profundas las que hacen que esta lectura sea interesante y verosímil, que atrapan al lector a medida que la obra avanza, al igual que los intereses superpuestos y las necesidades de cada personaje. Frases como:

HUTTON: El cinismo no es más que una sencilla confesión sin arrepentimiento. Se reconocen los propios pecados y así se libra uno de la desagradable necesidad de la ocultación y su hipocresía. Acto 1. Escena 1. Página 12

LIBARD: EL rico se puede permitir vivir sin continuidad, quiero decir, con intermitencias. Y, analizándolo bien, es lo mismo que no ser de todo humano. Acto 1. Escena 2. Página 50. 

HUTTON: los grandes hombres son aclamados, odiados luego; los imperios se alzan y caen; las artes florecen y mueren; las ideologías se ponen de moda y dejan de estarlo. Pero el comer y el beber, hablar y amar, son las únicas cosas que verdaderamente importan. Acto 2. Escena 2. Página 118.

 ¿Por qué el titulo de: "La sonrisa de la Giocconda"? Si bien la pintura de Leonardo Davincci con el mismo nombre es controversial; el libro me enseña que: Quien ríe de último ríe mejor.
Aquí los delito con un poco de las pinturas a las cuales Huxley se refiere al rededor de la obra:

Bitácora Almendrón de Léger

1949

Young Woman of Montmartre de Modigliani

1919

Hombre con Guitarra de Bracque

1911

Le Bonheur de Vivre de Matisse 

1905

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La Hojarasca

Autor: Gabriel García Márquez

Género: Novela corta
Año: 1955
País: Colombia
Idioma: Español
Editorial: Grupo Editorial Norma
Páginas: 118

ISBN: 978-958-57103-9-9

Una novela llena de imágenes y coloridos fundidos en un realismo mágico que evocan un profundo sentimiento de antaño para los que alguna vez estuvimos en un pueblo Colombiano. Nacimos y arraigamos en una tierra que en  ocasiones parece que estuviéramos destinados a quedarnos en ella… Es inevitable escapar del destino.

Tres generaciones en un pueblo surgente de la costa Caribe Colombiana llamado Macondo. El abuelo (el coronel), su hija (Isabel) y su hijo. Nos muestran el paso de la hojarasca alborotada, revuelta y flotante que se forma por los desechos o lo que sobra de los desperdicios humanos; rastrojos de una guerra civil. La historia es contada desde las tres perspectivas de esta familia; empezando por el niño quien se ve inquieto, curioso e inocente por el suceso de la muerte; su madre quien muestra la soledad en perspectiva de su propia vida; y el coronel que toca el tema de la guerra y el cumplimiento de la palabra. El meollo de la obra surge por el suicidio de un doctor que vino de lejos con una carta de recomendación, pero que nadie conocía. Un doctor a quien todo Macondo odiaba por su indolencia frente a unos soldados que dejó morir tras una guerra civil. Debido a esto el pueblo se opone a darle un entierro decente al doctor y expresan que debería pudrirse en su casa tal como lo venía haciendo durante los últimos 10 años; pero en vida el coronel dio su palabra de darle cristiana sepultura.

La Hojarasca es un libro mágico, capaz de transportar al lector al pequeño y escondido Macondo, un pueblo ficticio creado por el autor donde se desarrollaran parte de sus futuras obras. La obra está cargada de imágenes trágicas de un pueblo que se ha quedado en el olvido y los efectos que ha producido la llegada de una compañía bananera, además del paso de una guerra civil.  De esta manera, el autor trata de llevarnos a un pueblo que vive una cruda realidad. Una realidad que representa a Colombia, y porque no decirlo a Hispanoamérica. Macondo y su hojarasca puede ser tanto de aquí como de allá. De igual manera la inter textualidad de la obra es algo que hay que resaltar con el preludio que hace el autor de la obra Antigona; ella al enfrentarse a la encrucijada si entierra o no a su hermano y Macondo si entierra al doctor o no. 

El propósito de la obra es mostrar el advenimiento y la evolución de la modernidad colombiana. Toca temas profundos como lo son la muerte, la soledad, el aislamiento y la guerra; a través de personajes vivos y llenos de un trasfondo que desencadena en algo tan sencillo como: “… de todos modos lo que suceda tenía que suceder. Es como si lo hubiese anunciado el almanaque…” [El coronel. Cap. 11 Pág. 69]

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Esta es una de mis lecturas universitarias. Nos lo pusieron a leer en la clase de fundamentos de la No Actuación y nos pusieron a hacer una acción física de lo que nos evocara el libro a partir de una imagen. La imagen que yo escogí fue cuando el niño mese sus piernas en la silla de manera inocente e incauta y eso me evoca a mi mi infancia  La clase estuvo sensacional pero a mi profesor no le gustó mi acción física :(. Próximamente 100 años de soledad :)

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Hansel y Gretel Cazadores de Brujas

HANSEL Y GRETEL: WITCH HUNTERS
Director: Tommy Wirkola
Productor: Will Ferrell, Chris Henchy, Beau Flynn
Guión: Dante Harper, Tommy Wirkola
Reparto: Gemma Arterton, Jeremy Renner [twitter],Famke Janssen, Ingrid Bolso Bernal, Peter Stormare,
Género: Fantasia / Aventura
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Clasificación: R + 14
Duración: 88 min.
Estreno: 11 de Enero de 2013
Productora: Paramount Pictures

Interesante en algunos aspectos, exagerada en otros. Una mezcla de fantasía oscura y humor negro. Muy a lo MTV Films: violencia, acción, sangre, irrealidad y una chica desnuda. Típico film "Teen gore"

Wirkola quería realizar una película basada en el típico cuento de los hermanos Grimm: "Hansel y Gretel". Se enfoca en la vida adulta de Hansel y Gretel 15 años después de lo que sucedió en la casa de dulce de la bruja que los quería comer. El film enfoca a un típico pueblo alemán de la época mezclado con elementos ,muy modernos. Al igual que la locación la historia tiene algunas variaciones, mezcla a un Hansel diabético por el dulce que la bruja le obligó a comer cuando era niño, como a un Gretel con un oscuro secreto.

15 años después de matar a una bruja Hansel y Gretel se convierten en cazadores de brujas. En el pueblo de Ausburgo han ocurrido una serie de desapariciones de niños en los últimos meses, y por detener el rapto de niños el sherrif del pueblo decide iniciar una cazería de brujas. Es aquí donde el alcalde contrata los servicios de nuestros protagonistas y se embarcan en una interesante historia en donde aparte de dar bala y cuchillo a las brujas descubren cosas oscuras de su pasado.

La película es muy obvia en algunos aspectos; como en la presentación de las brujas y el conflicto que ellas representan; ni que hablar de las sofisticadas armas que tienen los protagonistas y lo diestros que son en el combate sin armas (mucha sangre donde no debería haber... muy gore al mejor estilo de  MTV).En algunos momentos la película puede ser comparada con la película: "Los Caza Fantasmas"

Lo realmente interesante del film son los nuevos elementos puestos en la historia como la manera en que exponen el propósito de Hansel y Gretel. El espectador puede quedar satisfecho por las variaciones que se hacen la historia; como la aparición de brujas blancas y el por qué los padres de Hansel y Gretel decide abandonarlos en el bosque.

La presentación de efectos especiales en 3-D es normal, nada del otro mundo; y se pueden apreciar en todo su esplendor en los excesivos derramamientos de sangre que se aprecian en el transcurso de la película, ademas de las sofisticadas armas de los protagonistas.

Conclusión: Si metes en una licuadora a las productoras: Paramount Pictures, MTV films y Gary Sanchez Produccions obtienes... un film Teen gore

Calificación: 2.5/5

Datos Curiosos:

• La idea de Wirkola por realizar esta película ocurrió en el 2007 en Australia.
• El estreno original de la película estaba prevista para el 12 de marzo de 2012, pero tras problemas en la productora disidieron posponer la para el 11 de enero de 2013 (casi un año después)
• El papel de Gretel lo iba a realizar la noruega Ingrid Bolso Bernal (quien realiza el papel de la bruja blanca)
• Paramaount Pictures y MGM han afirmado que habrá secuela de Hansel y Gretel tras el exito que tubo en taquilla con más de US$200 millones a nivel mundial, pero no se asegura la participación de Gemma Arterton y Jeremy Renner en los papeles protagónicos; los que sí vuelven son los productores Will Farrell y Adam Mckay.

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LINCOLN

LINCOLN
Director: Steven Spielberg
Productor: Steven Spielberg y Kathleen Kennedy
Guión: Tony Kushner
Reparto: Daniel Day-Lewis; Sally Field; Joseph Gordon-Levitt; David Strathairn; Tommy Lee Jones
Género: Drama Histórico
País: Estados Unidos
Idioma. Inglés
Clasificación: PG
Estreno: 16 de Noviembre de 2012
Duración: 150 min.
Basado en: Team of rivals: The Political Genius of Abraham Lincoln de Doris Kearns Goodwin
Distribuida: Touchstone Pictures, 20th Century FOX

Un gran drama histórico. Más que una thriller político; una gran lección sobre civismo y moral.

Época: Enero de 1865. Lugar: Estados Unidos de América. Situación Política: Guerra Civil. Problema: División de estados. Solución: Un hombre. Abraham Lincoln.

En el cuarto año de una guerra civil; Estados Unidos entra en uno de sus periodos históricos más importantes por tratar de abolir la expansión de esclavitud y unificar a un país dividido entre norte y sur. Abraham Lincoln, el décimo sexto presidente intenta abolir la esclavitud a través de la aprobación de la décimo tercera enmienda que prohíbe la servidumbre involuntaria o la esclavitud. El reto de Lincoln es lograr la paz, el término de la guerra de secesión, la unificación de los estados y la aprobación de la décimo tercera enmienda. Gran reto para un solo hombre.

En el film de Spielberg podemos apreciar a un Lincoln humano, real, vivo. Spielberg acierta al no hacer del film un especie de documental o una biografía, sino que se enfoca en un drama americano por la libertad, la igualdad y la paz. Lincoln se encuentra en un país beligerante y una cámara de representantes que en su mayoria no comparten su visión. El reto de Lincoln será unificar a un pueblo.
De igual manera Spielgber muestra a un Lincoln familiar, sabio, maduro, un Lincoln que convence, un hombre que ama a su país y defiende sus ideales.
Aunque la película es considerada como la una de las mejores del ultimo trimestre del 2012; la respuesta de los historiadores es negativa; según un articulo un articulo publicado por el NY Times el film: "es una oportunidad desperdiciada"[1] pues dice que la película exagera en algunos aspectos históricos. Es probable que esto se deba a que la película pierde verosimilitud en algunos aspectos claves como lo es la participación de la población negra, por remarcar la importancia de lo todo lo que Lincoln pone en juego.
La actuación de Day-Lewis es impecable, se mete en el personaje y se pierde en él; cuando el aparece uno se olvida que esta viendo una película y los escalofríos surgen, pues uno cree que esta viendo al mismo Lincoln. Ademas Day-Lewis se ganó todos los elogios y admiraciones de la crítica especializada. De igual manera aunque Tommy Lee Jones no interviene en gran parte de la película  protagoniza cada una de las escenas que realiza.
Claro está que a simple vista; si no conoces un poco de historia norte americana vas a perderte un poco o tendrás que verla dos veces para entender mejor el film. Lo positivo es que después de ver la película el espectador sale con ganas de informarse más acerca de la historia y de lo que ocurrió en aquella época.

Calificación: 4.3/5

Datos Curiosos

• El papel de Lincoln lo iba a encarnar el actor Liam Neeson, pero desistió del proyecto en julio de 2010 por demoras en la producción.
• La idea de Spielberg por realizar este film surge en 1999.
• Lincoln tuvo 7 nominaciones a los Globos de Oro y a 12 Premios de la Academia; incluyendo mejor director, mejor actor y mejor película.
• Daniel Day-Lewis ganó su tercer Oscar como mejor actor protagónico.

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Tiempos Modernos

MODERN TIMES                                                                                                  Director: Charles Chaplin
Productor: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin

Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman
Música: Charles Chaplin

Género: Comedia / Crítica social
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Clasificación: G - ATP

Estreno: 25 de Febrero de 1936
Duración: 87 min.
Presupuesto: $1,5 millones de dólares
Distribución: United Artist

Simplemente perfecta. Delicadamente bien elaborada. Un clásico del cine. Definitivamente no hay mejor manera de hacer una crítica que no sea mediante el humor.

Protagonizada por el genio de la actuación y el cine: Charles Chaplin, interpretando el papel que lo hizo inmortal: Charlot. En este film lo podemos ver de maneras cómicas, ridículas, inocentes e irreverentes (muy a lo Chaplin). Además podemos apreciar una interpretación excepcional, exquisita y muy limpia en movimientos y acciones físicas.

Esta película nos cuenta la historia de un personaje (Charlot) que, cansado de apretar tuercas en una fábrica, cae en un estado de locura y es llevado al hospital. Después de su recuperación sale a la calle y es apresado por ser el aparente líder de una manifestación a la que se unió por casualidad. Una vez libre continua con su búsqueda por encajar en el nuevo mundo moderno del siglo XX; es ahí cuando conoce a una joven huérfana, con la cual Charlot le da la espalda al mundo y emprende un nuevo horizonte.

Para que el espectador analice un poco mejor el film es necesario ubicarlo en el contexto social en el cual fue desarrollada la película: Después de la depresión económica de 1929 en Estados Unidos causada por la caída en la bolsa de valores de Nueva York y el apogeo de  la industrialización y la especialización del trabajo en masa, Chaplin hace una fuerte crítica, por un lado, al Taylorismo, el cual pretende la eliminación total de movimientos innecesarios y algunos necesarios, como el comer o el descansar; y por el otro, al Fordismo que aboga por la incesante y absorbente producción en cadena, en la cual el hombre pierde parte de su conciencia y hace mecánico y autónomo cada uno de sus movimientos (dejando de ser humano y pasando a ser máquina). Así mismo critica la sociedad capitalista, en la cual la "libertad económica" está sobre el capital humano como herramienta de producción y en donde todo es consumo; de igual manera, a los altos mandos gerenciales y autoridades públicas, por la opresión a los trabajadores y el abuso de poder con los ciudadanos y, por último, la deshumanización del hombre y del trabajador, en la cual el hombre pensante deja de ser hombre pensante a causa de la explotación laboral. 

Chaplin compara la vida cotidiana como un rebaño de ovejas o un hato de cerdos. La sociedad moderna es el nuevo rebaño, y como en todo rebaño siempre hay una oveja negra. Esta oveja negra no puede ser nada más ni nada menos que un artista, un hombre que se haya decidido a ir en contra de lo establecido, un hombre que haya decido tomar el futuro en sus manos.

Otro tópico importante que muestra Chaplin es la búsqueda de una estabilidad (sentimental y económica) y la promesa de una vida feliz a través de la constitución de una familia promedio. 

Algo importante que se debe resaltar: “es el volver a la cárcel  por parte de Charlot"; probablemente de esta manera el protagonista pretende desafiar al sistema al no encontrar su lugar en el mundo. Pero no todo es tristeza para nuestro querido amigo Charlot, pues se halla así mismo en el arte. Chaplin plantea que el arte salva a los individuos, los libera y los deja ser ellos.

De igual manera, "Tiempos Modernos" es un película que nos muestra al hombre en busca de la felicidad; al hombre que en ocasiones no pertenece al mundo moderno y busca su lugar; al hombre cortés que aun no siendo aceptado le da una gran sonrisa y muestra de cortesía a ese mundo hostil que pareciera no quererlo. 

"Tiempos Modernos" es un film para todos aquellos que están buscando donde pertenecen en este nuevo y cambiante mundo moderno.

Calificación: 5/5

DATOS CURIOSOS

• "Tiempos Modernos" fue el último film de cine mudo.
• Aunque para la época ya existía el cine sonoro, Chaplin decidió hacer el film mudo como protesta, pues pensaba que el sonido podía vanalizar el cine y disminuir el trabajo del actor con respecto al lenguaje físico.

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El Momento de tu Vida

Libro: El Momento de tu Vida y La Hermosa Gente
Título original: The Time of your Life.
Autor: William Saroyan
Género: Teatro / Drama - Comedia
Editorial: Sudamericana
Año: 1939
Páginas: 79

Un hotel en una esquina, un bar, un muelle, San Francisco. Un hombre adinerado, su mandadero, un bar man malhumorado, una prostituta que sueña con ser actriz, un árabe filosofo, un negro que toca el piano, y un gran bailarín que se mueve al son del boogie de la época, un policía que no quiere ser policía, un cotero que quería ser escritor y un joven enamorado que espera a su amor. Esto es El Momento de tu vida. Una obra llena de personajes que desean vivir en un mundo ordinario.
Hay momentos en los cuales sentimos que la vida corre como agua entre nuestras manos y quisiéramos detenerla o guardarla. Hay momentos en los cuales la cotidianidad se convierte en monotonía en nuestras vidas, y sentimos que todo pasa y toma su curso; es en ese momento que quisiéramos hacer un stop. Detener el tiempo y tomar ese momento y hacerlo nuestro. Vivirlo, sentirlo, disfrutarlo.

Todo transcurre aparentemente como de costumbre en el bar de Nick en la calle Pacific, la concurrencia es normal. Joe, un hombre adinerado que bebe Champagna todo el día llama a su buen amigo y mandadero Tom a que compre dos dólares de juguetes y se los traiga a la mesa. En ese momento llega Kitty, una prostituta con cara de no querer ser prostituta; entabla una conversación inusual con Joe. Es ahí cuando el ingenuo Tom queda inocentemente enamorado de Kitty. Mientras tanto un árabe encuentra una sola filosofía para todos los problemas existentes, un hombre toca el piano para ganar dinero y un hombre trata de hacer reír, un anciano divaga en extremo acerca de la vida,  y un canalla que hace de inspector para establecer el orden, llega a importunar al bar de Nick.

La obra de Saroyan es rica en personajes con historia y vida; además de contar la convergencia de varios inmigrantes en un solo lugar, cuenta parte de su experiencia como hijo de inmigrantes Armenios a Estados Unidos Los personajes evolucionan conforme evoluciona la obra y muestran un intrépido deseo por vivir y hacer realidad sus ilusiones y sueños; expresan parte de sus deseos escondidos y fantasías no realizadas.

La vida solo es una y hay que vivirla. Hay solo un momento y hay que tomarlo.

William Saroyan ganó el premio Pullitzer en 1940 con esta obra, que más adelante fue adaptada a cine.

Análisis de la obra
La obra a simple vista puede verse muy simple y normal, para un lector promedio puede que la obra sea un poco aburrida y que no entienda mucho, pero si de verdad se entiende la obra, se puede descubrir mucho.
"El Momento de tu Vida" es una de esas obras donde aparentemente no pasa nada, pero pasa de todo, cada personaje tiene cierto nivel de complejidad y complicidad con los otros personajes, es como si en el momento en el cual entran al bar de Nick, ellos pudiera ser ellos mismo, es como si ese fuera el momento de sus vidas, pues cosas muy particulares ocurren en ese bar. El alma, la vida y las vivencias de todos los clientes de Nick son puestas en este "bar de mala muerte" pero los que entran a este bar tienen la suerte de no salir igual, algo pasa, algo se transforma en ellos.
De las primeras cosas reveladoras de la obra es el tratar de resolver el problema de los inmigrantes a Estados Unidos y cómo este país enfrenta la Segunda Guerra Mundial, en donde Norteamérica sale como gran vencedor. En mi concepto el propósito de Saroyan era entrar en una atmósfera de inclusión,    gran parte de las obras de Saroyan tocan este tema.
Nick tiene ciertos negocios ilísitos en su bar, no es gratuito que prostitutas frecuenten su bar, al inicio del acto uno Joe le dice a Kitty que mucha gente busca a Nick para conseguir empleo, entre ellos músicos, cantantes y bailarines, y en otra parte de la obra se observa que Nick recibe una llamda importante (aparentemente con alguien que le advierte de Blick) pues dice que dejen en paz a las prostitutas y que en su bar no pasa nada.
De lo más revelador es que Joe, el protagonista, es homosexual, la obra tiene toque muy leves acerca de esto, a simple vista no se aprecia, pero después de leer entre lineas el lector se puede dar cuenta de la realidad. A Joe le gusta su amigo Tom, por eso se desespera cuando no lo tiene cerca,y cuando lo tiene cerca trata de alejarlo de muchas formas para que luego vuelva a el, contradictorio ¿no?, al final del acto segundo Joe le dice a Tom "En mi reino hay un solo súbdito, ese eres tú y es mi deber hacerlo feliz". y en el acto quinto después de llevar a su amigo Tom y a Kitty a comer a un restaurante llamado Bahía afirma que pasar tiempo con ellos es bueno, pero a la vez es oscuro. Joe es bastante boyerista y tiene tendencias homosexuales. ¿Dudas? léanlo ustedes mismos y descubran más secretos entre líneas que Saroyan nos da.

The Time of your Life (versión cinematográfica) lanzada en 1948


Esta es la obra que vamos a montar en segundo semestre. Me gusta mucho la obra y quiero el personaje de Wesley porque toca el piano en toda la obra; y le da un aire melancólico y triste a la obra. Espero ver los resultados a final de semestre. :)

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El Zahir

Título original: O Zahir
Autor: Paulo Coelho [twiter]
Género: Novela Narrativa / Reflexiva
Año: 2005
Idioma: Portugués
Traducción al español de Ana Belén Costas
Editorial Planeta, S.A., 2003. Primera Edición Mayo de 2005
Páginas: 286
ISBN: 84-08-05968-8

Es tiempo de preguntarnos si la historia en general que nos han contado siempre ha sido así. Preguntarnos que hubiera pasado si... o que hubiéramos hecho nosotros en lugar de... Es tiempo de olvidarnos de nuestra historia contada, es tiempo de vivir y cambiar el rumbo de la historia de nuestras vidas. Es tiempo de escribir una nueva historia día a día.

Es así como el Zahir (visible, incapaz de pasar desapercibido) se convierte en un todo, en una hermosa obsesión de un exitoso escritor que una mañana despierta y su esposa, una corresponsal de guerra desaparece sin dejar huella o rastro alguno. El tiempo pasa y es así como este Zahir le enseña a su esposo que antes de ser feliz con un ser amado, debe ser primero feliz consigo mismo, que antes de encontrar al ser amado debe encontrarse así mismo. Este Zahir se convierte en una inquietud, en un todo para el narrador, que no descansará hasta encontrar a su amada, hasta saber el por qué de su partida. En toda esta travesía de encontrar al Zahir el narrador aprende que debe olvidarse de su propia historia, y escribir la historia mas compleja... la de él mismo. El autor empieza a escribir descubriendo qué es la libertad, replanteándose su manera de vivir naciendo de nuevo, empezar desde cero como un niño que acaba de nacer y finalmente madurar re encontrándose con el amor, que fue quien lo incitó a emprender este viaje de peregrinación.

Este libro nos muestra cómo comportarnos con aquellos que decimos que amamos, cómo saber si realmente los amamos, cómo saber si una relación tiene futuro, cómo hacer que el primer amor no se acabe, sino que madure. Coelho nos muestra parte de su autobiografía en esta novela  y nos da un claro mensaje: Vive cada día como el maravilloso milagro que es. Nos lleva a cuestionarnos profundamente en qué es la libertad, qué es el amor, qué es la rutina y sobre todo qué es la vida misma. Como respuesta a todos los enigmas universales una sola respuesta, EL AMOR.

Debemos dejarnos transformar por la energía divina del amor, dejarla libre, que fluya, sin pretensiones, intereses o arrepentimientos ya que el amor es el amor.

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Reto English Books

ENGLISH BOOKS!

Me estoy apuntando a todos los retos que encuentro en otros blogs, y este me gustó mucho. Se trata de leer cualquier cantidad de libros en inglés; no me pude resistir a unirme, ya que el Ingles es casi como mi segunda lengua. En mi caso van a ser 7 Libros and off course l´m gonna make it!

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Romeo y Julieta

Título original: The Most Excellent and Lamentable Tragedie of Romeo and Juliet (La más Excelente y Lamentable Tragedía de Romeo y Julieta)
Autor: William Shakespeare
Traducción: Pablo Neruda y Guillermo Macpherson
Género: Tragedía
Año: 1597
Páginas: 115
Buenos Aires, Editorial Losada. Colección Biblioteca Clásica y Contemporánea, 308. Sexta edición 1977
País: Inglaterra
Idioma: Inglés

No diré nada que no se haya dicho antes acerca de este clásico de las tragedias de la literatura universal.

Contra actualizando a Romeo y Julieta podríamos decir que es el mejor libro, película  serie de tv, etc para jóvenes o adolescentes de la historia; es decir, tiene lo mejor de cosas de hombres y fantasias de chicas.   La fantasía de toda mujer al encontrar un hombre que le haga vivir un amor idílico, y lo mejor de la guerra, violencia, armas y cuchillo para los hombres. Definitivamente Shakespeare es Shakespeare. Y como todas sus tragedias... todos mueren. 

El odio entre dos familias Los Capuleto y Los Montesco hace de este amor algo muchísimo mas excitante. Así que recapitulemos... Romeo es un joven con las hormonas en On, esta "perdidamente" enamorado de Rosalina; pero tras colarse en una fiesta de máscaras de los Capuleto conoce al "amor" de su vida Julieta, se conocen esa noche y al día siguiente se casan en secreto, tras un alcahuete y promotor de tragedias llamado Fray Lorenzo. 

Julieta es una de las niñas mas guapas de Verona y con sus escasos 13 años y un poco mas (se murió antes de cumplir los 14) es clara representación de una niña consentida y que espera que los otros resuelvan sus problemas, entre su nodriza, su madre y Fray Lorenzo. A esto, agreguemos le que el soltero mas codiciado de Verona y pariente del principe, el joven Paris fija sus ojos en ella y la pide en matrimonio. Julieta para librarse de este matrimonio (ya estando casada con Romeo) pide ayuda a Fray Lorenzo o si no amenaza con suicidarse (demasiado drama), Fray Lorenzo le da un brebaje que la hará dormir 48 horas simulando que esta muerta y en ese lapso Romeo podrá venir a su encuentro; pero como en toda tragedia, siempre algo sale mal y todos mueren. 

Teobaldo primo de Julieta mata a Mercuccio amigo de Romeo, en venganza Romeo mata a Teobaldo, -por lo cual Romeo es desterrado de Verona - al oir esto, la madre de Romeo muere de angustia (mas drama) y el resto es historia... Romeo mata a Paris en la tumba de Julieta, y se suicida, Julieta al verlo muerto decide dar fin a su vida también. Seis muertos en total; nada mal para una obra de Shakespeare.

Pero de lo que realmente quiero hablar es de lo escondido en esta obra. El psicoanálisis Shakespereano. La obra es machista al pensar que un hombre se vuelve hombre cuando se asesina a alguien; ya que para sus amigos Benvolio y Mercuccio, Romeo es un afeminado y el mismo dice hacerse hombre cuando mata  a Teobaldo. También se ve en manifiesto la homosexualidad de Shakespeare, ademas de que se siente en su lenguaje, se confirma con el dialogo entre Mercuccio y Benvolio (Acto 2, Escena 1) cuando Mercuccio hace énfasis en el Falo de Romeo (homo erotismo), también es claro que Romeo ama perdidamente a Rosalina en un comienzo, pero afirma que este amor no puede ser y no es bien correspondido; psicoanliticamente Shakespeare se exorcista así mismo mostrando parte de sus inclinaciones  y se comprueba cuando Julieta habla de una rosa (Rosalina) y dice que con otro nombre olería mas dulce (Acto 2, Escena 2). ¿Dudas? lean lo ustedes mismos y encuentren mas subtextos de la vida del Gran Shakespeare. Lo exquisito de sus obras es una experiencia diferente y única para el lector. Shakespeare siempre será Shakespeare.
Es normal tener ciertas dificultades al leer una obra de Shakespeare, pues una persona promedio puede entender alrededor de un 20% del texto (si no es anglo parlante) si es anglo parlante seguro entenderá mucho más.

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Reto de Libros 2013

RETO DE LIBROS 2013

Soy nuevo en la Bloggosfera pero aun así decidí ser parte de este reto propuesto por el Blog: En Libro Abierto. El reto consiste en leer 50 libros en este año. Sé que lo voy a lograr! Si quieres ser parte de este reto haz cick aquí. 

Éxitos! y Have Fun tonight. ÚNETE YA :)

30 / 50 libros leídos. 60% listo!
LIBROS 2013
1. Huasipungo - Jorge Icaza 2. Romeo y Julieta - William Shakespeare 3. El Zahir - Paulo Coelho  4. El Momento de tu Vida -  William Saroyan 5. La Hojarasca - Gabriel García Marquez 6. La sonrisa de la Giocconda - Aldous Huxley 7. Sobre la Técnica de la Actuación - Michael Chejov 8. El teatro y su Doble - Antonin Artaud 9. Macbeth - William Shakespeare 10. La Casa de Sam Ego - William Saroyan  11. La increíble y triste historia de la Cándida Eréndira y su abuela desalmada - Gabriel García Marquez  12. Un Hombre es un Hombre - Bertold Brecht 13. Sonetos - William Shakespeare 14. La Huesped - Stephany Meyer 15. Otelo - William Shakespeare 16. Poemas - Harold Alvarado Tenorio 17. Sonetos - Leon de Greiff 18. Las Arenas del Alma - Dante Gebel 19. Nuestra Señora de las Nubes - Arístides Vargas 20. Antología Anarquista Poesía {siglo XX...} - Varios / Omar Ardila 21. Edipo Rey - Sófocles 22. La Indagación - Peter Weiss 23. El actor en el siglo XX - Odette Aslan  24. Hamlet - William Shakespeare 25. Trabajar con Grotowski sobre las acciones físicas - Thomas Richards 26. Satanás - Mario Mendoza 27. La excursión de las muchachas muertas - Anna Seghers 28. Viaje a la luna - Cyrano de Bergerac 29. Julio Cesar - William Shakespeare 30. El Rey Lear - William Shakespeare

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RETO DE PELÍCULAS 2013

A VER Y A APRENDER. Tenia que ser parte de este Reto, mas que un reto va a ser un placer. Lo mas importante del reto es aprender; por lo cual espero ver lo mejor del séptimo arte en este 2013. El año de mi Arte. Si tu también quieres ser parte de este reto haz click aquí y comenta  :)

52 de 52 películas. 100% completado!

SEMANAS

1. El Paseo 2 (1/5); The Life of Pi (4/5); El Sarcófago (2/5); Romeo + Julieta (3/5)

2. Trilogía de El Señor de los Anillos (4.5/5); The Imposible (3.5/5); Monster (4/5).
3. S.O.S. Familia en apuros (4/5)
4. -
5. Tiempos Modernos (5/5); Lincoln (4.3/5); Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas (2.5/5);
6. The Time of your life (1.2/5)
7. Django. Sin cadenas (4.2/5)
8. Ciudadano Kane (5/5)
9. Burlesque (3.2/5); Mamá (2.7/5)
10. Cirque Du Solei: Worlds Away (3.5/5)
11. -
12. Un Tranvía llamado Deseo (4.8/5)
13. Silver Lining Playbook (3.8/5); Grave Encounters 2 (2.1/5)
14. Maria's Lovers (3.5/5)
15. -
16.-
17. On the Waterfront (4.9/5)
18.-
19. Evil Dead (4/5)
20. El Laberinto del Fauno (4.5/5)
21. Husk (1.4/5)
22. -
23. -
24. Superman: El Hombre de Acero (4/5)
25. -
26. Berlín 36 (3.7/5); Chicago (3.9/5); The Possession (2.8/5); Guerra Mundial Z (3.8/5)
27. La Monja (1.9/5); Psycho (5/5); Tadeo Jones (2.2/5)
28. La Huesped (2.7/5); Monster University (4/5)
29. La Profecia (3.9/5)
30.El Exorcista (4.4/5)
31. El Cartel de los Sapos (2.9/5)
32. Wolverine Inmortal (3.8/5)
33.
34. Cabaret (4.5/5)
35. Todo Niño es Especial (4.2/5)
36. Paprica (4.5/5)
37. Shortbus (-)
38. -
39. Los olvidados (4.5/5)
40. -
41. -
42. -
43.  La Ley de Herodes (3.5/5)
44. -
45. -
46. Priosers (3.8/5)
47. -
48. Los Juegos del Hambre: En Llamas (4.3/5)
49.
50. Apartment 1303 (1/5)
51. Walking with Dinosaur (2.5/5)
52. El hobbit (4/5)

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Huasipungo

Autor: Jorge Icaza
Género: Novela Indigenísta
Año: 1934
País: Ecuador
Idioma: Español / Quechua
Editorial Unión 2000, Primera Edición Mayo del 2000. Bogotá D.C.
Páginas:124
ISBN: 958-8099-31-5

¡ÑUCANCHIC HUASIPUNGO! (¡Nuestra Tierrita!) es una de las novelas mas conmovedoras y realistas de la primera mitad del siglo XX de la literatura indigenista; que muestra la realidad, sometimientos y maltratos que sufre nuestro querido pueblo indígena. 

Alfonso Pereira es un terrateniente que decide resolver sus problemas económicos con mano de obra indígena esclavizada. A punta de castigos y maltratos los indios son obligados a trabajar para instaurar una carretera para que los gringos vengan a saquear sus tierras con un contrato de explotación de maderas en el Ecuador. 

La obra de Icaza trata de resolver el problema del indio y percibe con gran magnitud este drama americano; es de este modo que su obra tiene un sentido de reivindicación moral  hacia lo que nuestros antepasados indígenas vivieron. Icaza escribe con sangre y nos muestra la belleza de un emocionante llamado al sentimiento de todos los americanos; muestra a un indio empapado en sudor que construye con sangre la civilización en la que habitamos, nos muestra a un indio viril, apasionado, inquieto, que piensa y que siente; y junto con ello nos muestra un indio que debe resignarse ante los blancos, que no es humano, que su vida no interesa y que su familia no hace parte de la creación divina. Un indio que tiene como hogar (huasipungo) las sobras de lo que los blancos se robaron, un pedazo de tierra que vale la pena y por el cual están dispuestos a dar la vida, un indio guerrero que grita fervientemente ¡ÑUCACHIC HUASIPUNGO!

"Huasipungo" es una obra para conectarse y sensibilizarse con nuestras raíces indígenas y valorar la lucha y el esfuerzo de un pueblo que es nuestro pero que le damos la espalda.

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